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Exposiciones

«David Hockney. Seis cuentos de los hermanos Grimm» en la Fundación Canal hasta el 14 de abril

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Unos contenidos de corte tan clásico como puedan ser los cuentos de los hermanos Grimm, pasados por el filtro de un artista adalid de la modernidad, con un punto de vista siempre original y con grandes dosis de humor, dan un resultado realmente sorprendente.

Coincidiendo con el 200 aniversario de la primera edición de los cuentos de los hermanos Grimm, la Fundación Canal expone en Madrid la serie de 39 grabados creados por David Hockney en 1969, inspirada en seis de los cuentos de los hermanos Grimm, y nos muestra una de las facetas menos conocidas de este prolífico artista, la de ilustrador-grabador.

David Hockney está considerado no sólo como uno de los grandes mitos del arte del siglo XX, sino también uno de los artistas británicos más influyentes de todos los tiempos. Es un artista prolífico y polifacético que ha destacado en diversas disciplinas: pintura, fotografía, ilustración, dibujo y escenografía.

Hockney se declara un enamorado de los cuentos, y especialmente los de los hermanos Grimm. En esta serie de grabados, realizados en 1969 y publicados en 1970, Hockney no pretende ilustrar de forma literal los cuentos, sino que ilustra con un punto de vista muy contemporáneo, original y grandes dosis de humor, escenas de los clásicos cuentos que por algún motivo le divierten o que ofrecen retos plásticos interesantes, e incluso en algunas de ellas aporta o prescinde de elementos, variando los pasajes sin por ello cambiar el significado de los relatos.

También original en la selección de cuentos, elige para el proyecto aquellos que menos veces han sido ilustrados. Si bien algunos son bastante conocidos en España como “El enano saltarín”, “Juan sin miedo” o “Verdezuela” (Rapunzel), nos encontramos con cuentos mucho menos presentes en nuestra tradición como “El viejo Rinkrank”, “Piñoncito” o “La liebre de mar”.

El artista británico eligió estos relatos también por su simplicidad: «Son pequeños relatos fascinantes, narrados en un lenguaje y estilo enormemente simple, directo y sin rodeos. Cubren un espectro bastante inusual de experiencias que va de lo mágico a lo moral».

David Hockney se implicó activamente en la creación del grabado por motivos prácticos. “Empecé haciendo obra gráfica en 1961 porque me había quedado sin blanca, no podía comprar pintura y en el Departamento de Arte Gráfico te daban los materiales gratis”. Adaptándose sin problemas al medio del grabado, Hockney creó en aquel tiempo (1961–62) varios aguafuertes sobre el tema de “El enano saltarín” que sentaron las bases de su serie de 1969 de ilustraciones de cuentos de los hermanos Grimm.

Durante el recorrido de la exposición, el propio Hockney nos explica en cada escena el porqué de su creación. Es revelador el profundo conocimiento que Hockney tiene de la tradición pictórica clásica, y en sus explicaciones no faltan alusiones a grandes artistas como Leonardo Da Vinci, Uccello, Carpaccio o Goya.

Hockney combina de forma magistral tres técnicas de grabado -aguafuerte, aguatinta y punta seca- para dar un toque dramático o un punto divertido a cada ilustración y logra efectos asombrosos que demuestran sus dotes de grabador.

El sorprendente diseño expositivo es obra de Enrique Bonet, que utilizando la luz y el color ha convertido la sala de exposiciones en un espacio que invita al visitante a dar un paseo por el mágico mundo de los hermanos Grimm visto desde el enfoque contemporáneo de David Hockney.

La muestra permanecerá abierta hasta el 14 de abril.

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Cómic

María Herreros nos acerca a Georgia O’Keeffe

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La sala de la Muralla del Colegio Mayor Rector Peset acoge hasta el 4 de junio en colaboración con el Aula de Cómic del vicerrectorado de Cultura y Sociedad de la Universitat de València la exposición Georgia O’Keeffe x María Herreros, un recorrido a través del cómic por la vida de la artista norteamericana. 

María Herreros

María Herreros (València, 1983) es una de las pintoras, ilustradoras y autoras de cómic más originales y con una trayectoria más afianzada en nuestro país y en el extranjero. Ha publicado con editoriales como Taschen, Lunwerg o Astiberri, así como en diferentes revistas y periódicos, como La VanguardiaEl País o Público. Sus obras se han expuesto en el CCCB de Barcelona, el SLPinture Institute of Arts de Seúl o el SOMArts a San Francisco. Fue elegida como una de las 100 ilustradoras más influyentes del mundo por el catálogo Taschen en 2019. 

La exposición que ahora podemos disfrutar es el resultado del trabajo de investigación sobre la figura de Georgia O’Keeffe que María Herreros llevó a cabo para la realización del cómic que el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza le encargó sobre la pintora norteamericana con motivo de la celebración de la exposición que, junto con la Fundación O’Keeffe, organizaron en 2021. Se trata de los 102 dibujos a lapiz y carbón con la totalidad de la historieta, el original de la portada, 14 bocetos del rostro de O’Keeffe que María realiza para familiarizarse con el rostro tan característico y expresivo de la pintora de Wiscosin, y el layout de la obra, donde puede verse el primer germen de lo que será la obra terminada. 

María Herreros

Asier Mensuro, comisario de la exposición, destaca la importancia de incluir el cómic dentro de la programación de exposiciones como ya viene realizándose en museos como el MNAC, el MoMA, El Centro de Arte Georges Pompidou, el Museo del Prado, y evidentemente el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. También destaca que “una de las peculiaridades de este cómic es que la autora rotula la obra sobre el propio original, lo que permite al visitante, dado que las páginas están ordenadas en la sala, realizar una lectura integra de la obra y así apreciar el proyecto en su dimensión narrativa”. 

María Herreros

Con esta exposición el CM Rector Peset continúa la colaboración con el Aula de Cómic del vicerrectorado de Cultura y Sociedad de la Universitat de València, apostando por acercar el cómic a la comunidad universitaria y a la sociedad valenciana, siguiendo con la trayectoria ya iniciada con las exposiciones Dr. Uriel. Mil dies de guerra, de Sento Llobell, y Cálamos y viñetas organizada por Casa Árabe y el IEMed, la presentación de varias publicaciones o de diversas ediciones de Splash Sagunt Festival del Còmic de la Comunitat Valenciana. 

María Herreros

La exposición en el Colegio Mayor Rector Peset se realiza en colaboración con el Aula de Cómic del vicerrectorado de Cultura y Sociedad de la Universitat de València y se podrá visitar hasta el 4 de junio.

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Entrevistas

El Roto y sus heterónimos en el Centro José Guerrero

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A lo largo de una trayectoria que abarca medio siglo, en la obra de Andrés Rábago se pueden rastrear temas, motivos y símbolos que han persistido, con variaciones, en la producción de sus tres heterónimos, y que inciden en distintos aspectos de la realidad, plasmados de diferentes maneras. OPS, El Roto, Rábago: Una microhistoria del mundo, es el título de la exposición que podemos visitar en el Centro José Guerrero de Granada, y que hace un repaso de su trabajo a través de sus diferentes firmas.

La mirada dadaísta de OPS los recoge desde un punto de vista crítico y mordaz, que retrata el inconsciente de una época y un país ―los últimos años de la dictadura franquista― y pone en tela de juicio su herencia ideológica y consecuencias. Sus imágenes generalmente carecen de palabras, obedeciendo a un silencio impuesto por la censura.

Los dibujos de El Roto, de rasgos expresionistas en la línea de los artistas satíricos del periodo de entreguerras, como George Grosz, se aproximan en ocasiones a la poética beckettiana del absurdo a través de un deslumbrante y paradójico uso del lenguaje. Su enorme corpus de imágenes, que dio comienzo a mediados de los años 70 y se extiende hasta nuestros días, denuncia los continuos abusos de poder, subraya las taras ideológicas y cuestiona los postulados actuales del neocapitalismo y la sociedad digital.

El tercer heterónimo del autor es el pintor Rábago, que se sitúa en una zona próxima a lo espiritual y se ocupa de los aspectos que trascienden la mirada automática y superficial de lo que convencionalmente se denomina «realidad». Rábago pretende recuperar esa dimensión de lo humano y posibilitar una ventana (el cuadro) por la que pueda filtrase una luz a la vez física y simbólica. En sus lienzos percibimos una atmósfera de calma y sencillez que se deriva no tanto de lo que sus personajes hacen en silencio como de lo que el silencio hace con y en sus personajes.

Las obras seleccionadas por el escritor Óscar Curieses para esta exposición explora los vasos comunicantes de las tres vertientes plásticas a través de elementos constantes que reaparecen en su obra con distintas apariencias y formas: el bosque, los sombreros, los tránsitos, la familia, los pájaros, la vigilancia, la figura del doble, el poder, la guerra, la creación artística, las guerras, etc. Todo se repite, pero en otro nivel y con otro significado gracias al fenómeno intertextual y a las resonancias que despliegan unas imágenes sobre otras, unos bloques sobre otros.

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Entrevistas

Sergio García y su trabajo toman el Hospital Real

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La exposición En línea: Sergio García Sánchez plantea un recorrido en torno a la trayectoria profesional del dibujante, ilustrador, teórico del cómic y profesor del Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la UGR Sergio García (Guadix, 1967), Premio Nacional de Ilustración 2022, a partir de su continua experimentación desde la década de los noventa en torno a la narrativa secuencial del cómic.

Sergio García

Esta constante experimentación gráfica, que parte del rechazo de los límites acotados de la viñeta, de la página y del libro, que encorsetan e impiden la expansión del dibujo, ha transcendido y revolucionado tanto los formatos tradicionales del cómic como su lenguaje secuencial. En su lugar, Sergio García apuesta por la búsqueda de formatos alternativos y recursos gráficos que posibiliten la deconstrucción de la narración lineal del cómic, propuesta de la que se ha convertido en un destacado referente y sobre la que teorizó en Sinfonía gráfica. Variaciones en las unidades estructurales y narrativas del cómic (2000) y en Anatomía de una historieta (2004).

De este modo, desde sus primeras creaciones, ha mostrado una actitud inconformista respecto al lenguaje convencional del cómic basado en el uso de la viñeta como unidad narrativa básica y del globo como soporte textual, caracterizándose su obra por la ruptura de la composición de página y del orden de lectura tradicional.

Sergio García

Este cuestionamiento de los recursos considerados esenciales dentro del cómic a lo largo de su historia, de los que él disiente al considerarlos como códigos cerrados que restringe tanto la libertad creativa del autor como la de lectura del público, lleva a Sergio García a explorar nuevas propuestas alternativas o a profundizar en otras que, experimentadas previamente por otros autores, por lo general, no han tenido más que un carácter incidental en la narrativa gráfica, convirtiéndose, en cambio, en fundamentos del proceso de creación en su obra. Esencialmente, lo que plantea, por tanto, es socavar el orden tradicional de lectura del cómic basada en una secuencialidad narrativa que se dispone de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha y en páginas que se suceden unas a otras.

Gracias a recursos como el dibujo-trayecto y la narrativa multilineal, la tradicional página basada en la composición de viñetas deja paso a formatos más extensos como el panel de doble página, el póster desplegable o la concertina. En consecuencia, una parte de la obra de Sergio García resulta ser un arte híbrido, a medio camino entre el cómic y la ilustración, al introducir la narrativa secuencial en una única imagen que concentra un alto grado de información y detalle y que exige, por tanto, una lectura más detenida para su captación.

En este sentido, el jurado del Premio Nacional de Ilustración destacó en el comunicado hecho público por el Ministerio de Educación y Deporte que el premio se ha concedido este año a Sergio García Sánchez porque “es un ilustrador que amplía el formato libro llevando la narración gráfica a otros lugares y por multiplicar las posibilidades de la ilustración con imágenes que por sí solas narran… goza de un lenguaje propio y singular, además de una técnica con una riqueza lineal que se adentra al infinito”.

Más allá de los formatos editoriales, Sergio García, dentro de una novedosa tendencia surgida en los últimos años, que ha venido en denominarse como cómic expandido, experimenta en el presente para generar piezas con el lenguaje del cómic sin las limitaciones espaciales de la página del libro, interviniendo, por ejemplo, sobre las paredes de un espacio expositivo.

Sus innovadoras propuestas han conllevado el progresivo reconocimiento internacional de su obra tanto en el mercado editorial del cómic como en los medios de comunicación de la prensa escrita con los que colabora, algunos tan prestigiosos como The New York Times, The New Yorker o El País. Refrendo de este reconocimiento ha sido la concesión de otros galardones como los Premios ÑH (2019-2020), APIM (2020), Society of Illustrators (2016, 2021 y 2022), American Illustration (AI37), School Library Journal (2016), Kirkus (2016), Festival Internacional de Bande Dessinnée de Sierre (2001) y el CBBD-Centre Belge de la Bande Déssinne, así como la participación en exposiciones celebradas en París, Angulema, Nueva York, Bruselas, Frankfurt, Ginebra o Barcelona.

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