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Álbum Ilustrado

Cuando la ilustración y la música se dan la mano

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Adolfo Serra

Hace tiempo que la ilustración encontró acomodo en múltiples soportes, que saltó fuera de las páginas de los libros, y podemos encontrarla en muchas manifestaciones, y la música, sin duda, es una de ellas. Hemos visto cómo diferentes artistas y grupos musicales recurren a la ilustración para dar forma a la imagen que acompaña a sus canciones, y esto es lo que queremos reflejar en las siguientes líneas. Sergio GarcíaAsis PercalesAdolfo Serra… han trabajado canciones de Lori MeyersEskorzo o Sidecars.

Sergio García, Premio Nacional de Ilustración en 2022, recibió el encargo de los también granadinos Lory Meyers de ponerle cara a su último disco, Espacios Infinitos, publicado en 2021. 

Sergio García

El batería de Lori Meyers, Alfredo, vio la primera portada para el New Yorker que había hecho Sergio en una exposición. Así fue como pensaron en él para hacer el trabajo, el que ha sido hasta ahora su primer y único trabajo en el campo de la ilustración musical. “Ellos ya tenían el disco acabado, bueno, estaba en una pre maqueta, pero una maqueta muy final. Entonces me pasaron los temas para escucharlos, y yo desde el primer momento tenía claro, porque aunque no había hecho ningún trabajo para la ilustración musical, que si alguna vez hacía un disco, quería que tuviera un carácter narrativo”, asegura Sergio García.

“Entonces yo se lo comenté a ellos, nada más iba a hacer el primer contacto, estuve en mi casa, estuve hablando con Noni, con Alejandro y con Alfredo, y les conté la idea de hacer algo narrativo, y les pareció bien, y entonces lo que hice fue, antes de empezar a dibujar nada, estuve hablando con cada uno de los tres. Un trabajo de portada, contraportada e interior, en principio, que luego ya se amplió a las piezas que se hicieron para los soportes digitales, para Spotify y demás. En este caso decidí hacer eso, una portada que era como un contenedor de historias, y en el que se incluía un microresumen de cada una de las canciones, y aparecían ellas tres, y luego eso continuaba en la contraportada y en los interiores, esa es la idea conceptual del disco”. 

Sergio García

“Trabajé con Procreate para hacer el dibujo en blanco y negro y luego se añadieron sombras. En aquella época todavía estaba muy fuerte la estética que yo desarrollaba para el New York Times, para el Book Review, con un dibujo de tinta con lápiz digital, ahora ya no lo uso apenas, ahora todo es tinta digital y las sombras las doy con tinta plana, también digital, pero en aquel momento sí usaba la herramienta del lápiz para crear una especie de textura. Y se trabajó luego con Estudio Buenaventura para toda la aplicación de gráfica y de diseño gráfico”.

Historias de amor y otras mierdas es el título del disco que Eskorzo lanzaba en 2023. Los granadinos tiraron de otro granadino, Asis Percales, para la imagen de este trabajo. “Bueno, el proyecto fue porque se puso en contacto conmigo Rubén, que es su manager. Le llegó mi trabajo, lo había visto y lo había propuesto al grupo para hacer la ilustración de este nuevo disco. Me pasaron ellos los temas y fui proponiéndoles yo también las ilustraciones, y fue un poco trabajo entre las dos partes, y muy cómodo y muy fácil también trabajar con ellos, porque encajamos súper bien y el proceso fue bastante ágil, se juntaron bastante bien los dos estilos y creo que hice aquí un disco bastante completo a nivel de ilustración, con la música, que va bastante de la mano”. 

Asis Percales

“Lo que realicé fueron las portadas interiores del CD y el vinilo, el sobre, y luego de cada tema también le sacamos una pequeña ilustración que va también dentro del disco. Aparte también del merchandising, dándole sentido a toda la imagen gráfica del disco”. 

“Lo quería situar también dándole un ambiente de estética como centrado en Granada. Por ejemplo en la portada aparecetambién como Sierra Nevada, hice como una alusión también al romancero gitano, con las puñaladas, historias de amor, de sufrimiento, pero a la vez como una historia de amor con sus encuentros, desencuentros, y es lo que va relatando todo el disco, las canciones de diferentes tipos de amor. Utilicé unos colores vivos, alegres. Sobre el proceso, ellos me pasaban lo que es la canción, cada tema, y yo les hacía un pequeño boceto de lo que a mí me había querido representar, o lo que yo creía que podía ser importante transmitir”.

Asis Percales

“Son colores alegres, bastante vitalistas, igual que la música del grupo. Respecto a mi forma de trabajar, sobre todo el primer boceto, lápiz, papel, y un poco ordeno lo que es la idea. Luego al final, lo que es el trabajo manual de esto, lápiz, tinta, y el color en este caso si es digital. Me hizo ilusión, porque al final yo también he crecido en una banda mítica de Granada, y la he escuchado siempre, y el hecho de que te pidan a ti la ilustración de su disco, pues para mí fue un subidón”.

Primeras nieves’ es un disco-libro, sus protagonistas son el dúo Nelson, compuesto por Lucy Malbosque y Hélène Delufeu, que acercan a niños y padres su música electro-minimalista. Para las ilustraciones de este libro-disco contaron con el ilustrador español Adolfo Serra

Adolfo Serra

“Se trataba de un grupo de música experimental francesa, que ellos trabajan también haciendo conciertos con niños, y es como una música experimental para niños, y es curioso porque en este caso ellas seguían mi trabajo, y creo que a partir de algunas ilustraciones muy atmosféricas, empezaron a trabajar en un proyecto sobre nieve, sobre paisajes nevados… Me dijeron que muchas de mis ilustraciones les habían inspirado a hacer ese álbum. Hicieron un álbum, y luego estuvimos trabajando en una especie de libro ilustrado, que recopila esas canciones y que tiene como un CD”. 

Adolfo Serra

Y detrás de las ilustraciones del último disco de Sidecars, ‘13’, publicado en 2022, también está Adolfo. “Me dijeron que les gustaba mi trabajo y que estaban interesados en mis ilustraciones y combinarlo con sus canciones para darle esta línea gráfica a su nuevo disco. Y claro, me sorprendió porque es un tipo de trabajo que no suelo realizar. Fue muy bonito poner imágenes a canciones, a música. Es parecido a ilustrar un texto o un poema, pero aquí se añade un elemento nuevo que es como el ritmo, la música… Y creo que eso también hay que tenerlo en cuenta a la hora de ilustrar”. 

Adolfo Serra

“Me hicieron llegar las canciones para que yo las escuchara y las interiorizara un poco. Y luego yo empecé a hacer mis anotaciones, mis ideas en torno a cada canción. Luego tuve una entrevista con Juancho de Sidecars y estuvimos hablando un poco también del momento vital en el que él y los chicos del grupo hicieron las canciones y el porqué de los temas. Y eso fue también muy bonito, porque es como acceder a una especie de intimidad de una persona creativa que está creando y que está sintiendo cosas y que te abre esos procesos. Claro, yo como oyente puedo sentir cosas o puedo interiorizarlas a partir de mis propias experiencias al escuchar las canciones, pero es bonito que te cuenten un poco el porqué, qué les llevaron a crear eso, qué sentían en ese momento. Juancho me contó que este disco, ‘13’, estaba muy relacionado con lo que nos pasó en la pandemia, con el sentimiento de, bueno, de repente estamos encerrados, ¿qué va a pasar con todo? Se acaban las macro giras, se acaban los conciertos… Eso para una persona tan creativa que vive de cantar en público tiene que ser también un momento vital muy complicado. También está relacionado con el momento de Filomena, esa nevada increíble, con la que también hubo una especie de encierro, de otra manera”. 

Adolfo Serra

“Fue como abrir una ventana y poder ver los procesos creativos, y entender un poco su necesidad de contar a través de las canciones. Y eso a mí también me daba como una idea, una imagen de lo que él y los chicos de Sidecars estuvieron viviendo para trasladarlo a mis dibujos”. 

“Yo hice toda la imagen exterior, toda la imagen interior, todo el libreto y también las adaptaciones que se hicieron para vinilo y tal, que son diferentes. De hecho, estuvimos trabajando con distintos colores, pues fondo blanco, fondo negro… También para el libreto hice muchas ilustraciones. Y como les gustaba también todo el toque manual que yo había ido haciendo con los dibujos, pues me pidieron que, ya que había hecho también a mano las letras y la tipografía del disco, que si podía también hacer todas las letras del libreto”.

“Trabajé con tinta, acuarela, también sí que hay una fase en la que ya lo digitalizo y a lo mejor añado alguna variación o superpongo con capas, pero sí que me gustaba mucho que se vea lo orgánico, lo manual, la mancha”.

No dejamos a Sidecars. Su single “Hasta que cierro los ojos” contó con la ilustración de Álvaro Pérez, ilustrador y diseñador madrileño. “Me pasaron la canción, estuve escuchando la letra y pensé hacer una ilustración muy años 50, que mezclaba un poco las gafas rojas y azules, entonces según te ponías esas lentes, tú ves a la chica hablando por teléfono o ves su esqueleto como parte maligna o interior. Entonces con Sidecars me parecía que era un poco ese juego, que dependía de cómo leyeses la letra de la canción, podía significar una cosa o la otra, amor limpio y puro o malicioso y tóxico”. 

Alvaro

Álvaro Pérez es un referente en el diseño e ilustración de pósters y portadas para artistas en nuestro país. Ha trabajado con Bunbury, Luz Casal, Motorhead, Black Sabbath… “Desde canijo he sido muy melómano. Yo vengo del mundo de la música y llevo consumiendo, comprando discos, yendo a conciertos desde muy jovencito. Desde los 13 años empecé a ir a conciertos, 13-14 años. Y todos empezamos a montar grupos, algunos con más éxito, todos los amigos empezaron a sacar discos. Empecé a hacer ilustraciones, diseños para los bares de Malasaña, después carteles para los amigos, portadas de discos para los amigos… Y al final he conseguido convertir lo que era el anexo a mi trabajo, porque yo soy diseñador y estudio publicidad, convertirlo en mi oficio”. 

Alvaro

“Cuando hago una portada de un disco, a diferencia de cuando hago mis exposiciones de ilustración, es que yo sé moldearme a los diferentes artistas. Yo siempre estoy detrás del artista para las portadas. La parte divertida del trabajo es que te llegan cosas muy diferentes y tú tienes que ponerte detrás. Y esa parte creativa a mí me parece la divertida, que cada trabajo es diferente. Con Bunbury, pues cada trabajo es diferente. Yo me pongo detrás suyo, yo le propongo cosas, él me propone cosas, y vamos trabajando y vamos haciéndolo entre los dos. Es mucho más divertido que hacer solo yo lo mío. Dependiendo de qué haga falta, pues trabajo más con las fotos o trabajo más con mis ilustraciones”. 

Alvaro

“Yo empiezo a pensar siempre con un rotulador en la mano y emborronando papel para pensar. Un poco como cuando hacías apuntes en el instituto, que los haces para acordarte con las palabras claves, pues voy pensando y voy haciendo mis formas, y después ya paso directamente al ordenador. En general te diría que la música tiene una serie de códigos que están muy claros. Es un proceso muy divertido, te permite charlar con ellos y te ríes y te desesperas”.

La ilustradora Cristina Reina se embarcó con Samness en el trabajo Nomad, un álbum en formato vinilo ilustrado de 10 canciones que giran en torno a una historia. Un circo llega a España en julio de 1936 para proseguir su gira europea. Cada canción nos acerca a un personaje, a su historia y a todo lo que le sucede alrededor. 

Cristina Reina

“Bueno, Nomad surgió a raíz de la pandemia. Convivía con Samuel, que es el compositor del disco. Y se nos ocurrió contar una historia a través de música e imágenes. Pensábamos hacerlo como al unísono, pero finalmente él se adelantó, porque es un creativo brutal y empezó a componer temas». 

«Y bueno, pues empezamos a contar un poco, a escribir un poco lo que queríamos contar, qué personajes queríamos que apareciesen, en la historia, qué historia era. Y bueno, está enfocada en un circo, en la guerra civil, inventado por nosotros, pero con muchos referentes reales. Yo creo que la experiencia total es tenerlo en las manos, tocarlo, leerlo y sentirlo”. 

Cristina Reina

“Mínimo hay una ilustración por cada tema, para alguno hay dos, pero esa era un poco la idea, que cada tema tuviese su historia y su imagen. En realidad es una historia conjunta, o sea, todo el libro cuenta una historia, pero cada tema se va centrando un poco en cada personaje. Como todo en este disco ha sido bastante orgánico, es decir, había algunas ilustraciones que yo ya tenía bocetadas y que luego proseguí digitalmente para darle una forma definitiva y luego en algunos casos me pidió, pues mira, ya lo tengo digital y me gusta, pero voy a hacerlo en físico porque creo que le puede dar esa calidez. Que a lo mejor no se la estoy dando con lo digital. Algunas son digital 100%. Todas tienen base física, ya sea grabado, acuarela, boceto sin más o tinta china, y luego escaneaba y ya digitalmente pues terminaba con lo que yo sentía”. 

Cristina Reina

“Por suerte siempre con los discos que he ilustrado o los proyectos musicales en los que me he estado metida están muy conectados a mí o yo les he dado una forma que a mí me han dado libertad para dársela”. 

El cantautor Javi Tejero contactó con la ilustradora Olalla Ruiz para su disco Minnesota. El primer tema que Olaya escuchó fue ‘Cabaña en el bosque’. A partir de ahí y tras lo que escuchó y las ideas que le llegaron de Javi salieron unas ilustraciones que transmiten serenidad dentro de lo salvaje. 

Olalla Ruiz

“No nos conocíamos Javi y yo, y él iba a sacar su nuevo álbum y quería cuidarlo más. Entonces estaba buscando ilustrador y le dieron varios nombres. Le gustó mi estilo, como que encajaba a lo mejor con lo que él tenía en mente. Y fue ya cuando me escribió y me dijo lo que estaba buscando para su álbum y fue así como surgió, sin conocernos ni nada. Él solo tenía de momento un adelanto que era el tema de la cabaña en el bosque. Me pasó ese tema y me dijo también lo que quería más o menos, así quería algo en torno a la naturaleza y me pasó algún dibujillo de un zorro con unos árboles. Quería algo así como muy natural. Entonces ya solo con eso, escuchando la música, el tema, como que me llevó directamente al norte de Estados Unidos, porque su música era así como un poco, bueno Javi es cantautor, así como rock, folk, entonces como que me llevó para allá. Y encima el álbum que se llamaba Minnesota, pues también me llevó a esa mirada”. 

Olalla Ruiz

Si queréis saber un poquito más y escuchar la música que han ilustrado estos y estas artistas, podéis escuchar el episodio de nuestro podcast Un altavoz para tu ilustración que realizamos sobre ilustración y música.

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Antonio Lorente y los ‘Grandes amores’ de la literatura y el cine

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Antonio Lorente

En ‘Grandes amores’, Espido Freire y Antonio Lorente nos llevan a vivir historias de amor inmortales, nos lleven en un viaje por la literatura y el cine. Este libro editado por Edelvives nos transporta a través de los amores más memorables de la literatura universal, desde la antigüedad hasta el siglo XX. Espido Freire desvela los secretos de estas historias: cómo nacieron, el impacto que causaron en su tiempo y por qué sus protagonistas siguen cautivándonos. Las semblanzas combinan la belleza de los textos literarios con detalles históricos y culturales, enriqueciendo la experiencia tanto para lectores veteranos como para quienes se inician en estas obras. Lo que viene a continuación es el resultado de una pequeña charla con Antonio Lorente en torno a su trabajo en este libro.

Antonio Lorente

Danos algunas pinceladas de este nuevo trabajo. “Una de las novedades es que vuelvo a colaborar con una autora que está viva, porque llevo mucho tiempo, desde los libros que he hecho con mi hermana, haciendo esos clásicos de autores que no podían decir si les gustaba o no lo que estaba haciendo. Es un libro que he desarrollado con Espido Freire, que es todo un honor contar con ella para hacer este libro”, afirma Antonio Lorente

¿Qué nos vamos a encontrar en sus páginas? “Son los grandes amores de la literatura, son 20 personajes icónicos, parejas icónicas de la literatura que todos conocemos, ordenados cronológicamente, desde Odiseo, Penélope, pasamos por Romeo y Julieta o Jane Eyre. Hay un montón, no quiero desvelarlos todos, pero es eso: lo que es el amor, hasta la actualidad incluso. Se inicia con ‘El beso de la mujer araña’, que es un libro que me encanta. Es un compendio de amoríos, y estamos muy contentos de lo que hemos realizado”. 

Antonio Lorente

¿Cómo ha sido el trabajo con Espido Freire? ¿Cómo ha sido la dinámica? “Muy fácil, la verdad que ha sido muy fácil, porque es cierto que, aunque no interviniésemos directamente en el trabajo de cada uno, sí que éramos conscientes de lo que estaba haciendo el otro. Me pasaban su relato en este caso, ella por ejemplo hablaba, no sé, de Romeo y Julieta, se habla sobre esta pareja icónica, se contextualiza, aparte que está muy bien escrito, porque ella escribe súper bien, y yo realizo la ilustración”. 

“Es cierto que mi ilustración no es que se base 100% en su texto -continúa Antonio Lorente-, sino que de alguna manera tienen lecturas diferentes, porque yo hago Romeo y Julieta y ella escribe sobre Romeo y Julieta, pero no tengo que ceñirme 100% a lo que ella está escribiendo, entonces ha sido como muy cómodo, porque de alguna manera es como que los dos tenemos cierta autoría dentro de lo que se está escribiendo o dibujando, es muy guay”. 

Antonio Lorente

¿Cómo ha sido tu trabajo de documentación o de investigación en este caso? “A la mayoría de personajes los conocía, porque son historias universales que todos conocemos, pero es cierto que también muchas de ellas están súper contaminadas… En el cine se han realizado muchísimas películas, entonces, claro, hay algunas que he tenido que hacer una labor de investigación bastante fuerte para no meter la pata, no equivocarme… Pero para eso también, gracias a todo el equipo que tenemos dentro de Edelvives, que me van mirando todo, me van ayudando y van diciendo también, Antonio, ten cuidado que esto tal, o que esto cual… O sea, que intentamos no meter la pata para que llevemos, cronológicamente, todo al dedillo”.

Antonio Lorente

Si hablamos de la técnica, imagino que es la misma de otros trabajos… “En este libro hay un poco de todo, pero sí que mantiene la misma línea. Igual que en el trabajo de ‘Sleepy Hollow’ era mucho más pictórico, mucho más experimental, aquí no me he desviado mucho de lo que ya controlo durante mucho tiempo. La mezcla de lo artesanal y lo digital es lo que forma un poco mi trabajo ilustrado. Y bueno, si le echas un vistazo a las ilustraciones, ves que no es tan experimental como lo que he querido hacer en trabajos anteriores, sino que mantiene la línea en la que estoy a gusto. Sí que es verdad que lo que hace diferente este libro es que cuando se me planteó el proyecto y vi un poco de lo que trataba, dije, guau, creo que hay que hacer como carteles de cine. Porque el amor es de película, ¿no? Y todo lo que lleva este libro es como muy cinematográfico. De qué manera podía llevar eso a la ilustración, cuando hablamos de historias que son súper clásicas también, como si fuese un cartel de cine, un cartel de película”, asegura Antonio Lorente

Antonio Lorente

Siguen teniendo mucho peso en la manera en que desarrollas las ilustraciones los retratos. “Siempre, siempre, siempre. Y aparte he estado muy cómodo realizando estos en concreto, porque, al ser una sola imagen… Normalmente me cuesta muchísimo, supongo que como en todo proyecto que te involucras mucho, me cuesta mucho relatar una historia, o cuando los personajes van creciendo como en Mujercitas. Esos son súper retos para mí. Y este, sin embargo, ha nacido de una manera muy natural, porque al final es una sola imagen lo que representa o acompaña a ese relato. Creo que es algo parecido a Genios”. 

El hecho de que sea una sola imagen para mostrar un relato, por un lado puede parecer más fácil, pero al mismo tiempo es más difícil porque hay que condensarlo todo en una sola imagen… “Pues tienes toda la razón, es cierto. En ese momento no lo pensé. Pero tienes razón, porque al final, Romeo y Julieta, ¿cómo los haces? ¿Los hago muertos? ¿Los hago en el balcón? ¿Qué imagen intento captar para ese cartel de cine que conecte con la gente en un solo vistazo? Pues es cierto, al final jugándotela. Te la juegas y dices, bueno, a ver, intento hacer lo que a mí me apasiona o lo que yo creo que puede conectar más y como nunca sabrán qué otra opción habría hecho, pues nos quedamos con la que realizo”. 

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Nívola Uyá nos introduce en ‘El Alma del Violín’

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Nívola Uyá

El alma del violín’ es un álbum ilustrado inspirado en la historia real de Gaspar Borchardt, un lutier enamorado de su trabajo, cuyas creaciones son extraordinarias, tiene un sueño que cumplir: desea fabricar el violín con la madera más exquisita del mundo. Una madera procedente de un árbol que más parece una leyenda, sito en unos bosques casi extintos, harán de esta aventura una experiencia única. No será fácil, pero en el camino hacia cumplir su sueño, el protagonista nos dejará un gran aprendizaje: el amor por aquellas cosas que hacemos, el respeto a la naturaleza, el valor del arte y la música como un patrimonio de incalculable valor y tener la osadía de perseguir nuestros sueños hasta hacerlos realidad. Un libro de Nívola Uyá, editado por Cuento de Luz. Con su autora hemos charlado un poco más en torno a este proyecto.

Nívola Uyá

Lo primero, cuéntanos cómo nace este proyecto. “Nace después de ver un inspirador documental «The Quest for Tonewood«, sobre la historia real del lutier Gaspar Borchardt y toda su aventura en busca de una madera extraordinaria para construir el violín perfecto .nos cuenta Nívola Uyá-. Fascinada con el documental, contacté con Gaspar para felicitarle. Finalmente, un par de meses después, acabé proponiéndole fabular su historia”.

¿Qué encontrarán los lectores en las páginas de este libro? “La aventura de un lutier en busca de la realización de un sueño, construir un violín perfecto. En este “viaje de iniciación” encontrarán la historia de amor a un árbol y unión a la Naturaleza. También es un libro que acerca la mirada a los procesos creativos, al valor de la artesanía y al trabajo manual. Durante la lectura nos acompaña la pasión por la música y una pequeña banda sonora de piezas clásicas inspiradas en el rocío de la mañana, los murmullos del bosque o las tormentas de verano”.

Háblanos de Gaspar Borchardt, en quien está inspirado, y tu visita a su estudio. “Gaspar Borchardt es un lutier de violines, violas y violoncelos, con un taller hermoso en la Plaza del Duomo en Cremona. Esta ciudad del norte de Italia es famosa por ser la cuna de los lutiers más ilustres de la historia, como Amati, Stradivari o Guarneri.”, nos cuenta Nívola Uyá

“Decidí ir a conocerlo en persona. El verano pasado viajé desde España para visitar, junto a mi hija, su taller. Nos mostró con mimo los pasos de creación de un violín, los materiales, el almacenamiento de las maderas, las herramientas y su filosofía de trabajo: la unión de mente, manos y corazón. Se mostró encantador con mi hija, nos invitó a lijar, comprobar la densidad de la madera, nos enseñó cómo hace las colas y barnices con recetas tradicionales, pudimos admirar la precisión y sensibilidad que requiere esta profesión”.

Nívola Uyá

“Mientras estábamos en el taller presenciamos una «escena mágica» -continúa Nívola Uyá-. Durante nuestra visita entró una joven promesa del violín para que Gaspar retocara su instrumento. El lutier le dejó probar el famoso violín del documental, el mejor del mundo, y cuando lo tocó, se creó un momento único, en el que parecía que el tiempo se hubiera parado, el violín tenía voz propia”. 

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “He querido incorporar una estética artesanal. Por otro lado, he trabajado más conceptualmente, con metáforas visuales con el violín y la madera como protagonistas”. 

Nívola Uyá

¿Con qué técnicas trabajaste? “Este libro es fusión de técnicas: acrílicas, acuarelas líquidas, lápices de colores, lápiz de grafito y estampación botánica. Con la estampación botánica, he capturado siluetas y texturas de las plantas para enfatizar la conexión con la naturaleza en las ilustraciones”, asegura Nívola Uyá

Nívola Uyá

Danos algunas pinceladas sobre el proceso de realización de este libro. “Lo que más me estimulaba en este proceso, era trabajar tras la idea o la pregunta sobre dónde reside el alma de las creaciones: en los creadores, en sus procesos, en la infancia, en los materiales, en los receptores, ¿nace de la propia naturaleza y lo demás son canales, una combinación?… Así que fui considerando estos elementos, sin ofrecer ninguna respuesta explícita”. 

Nívola Uyá
Nívola Uyá

“Sobre el texto, a partir de la historia real, me imaginé una búsqueda en la que la comunicación con la natura se revelaba a través del encuentro con diferentes animales totémicos, el águila, el oso, la cabra o el ciervo y también con elementos y fuerzas de la natura como la lluvia y el viento”, afirma Nívola Uyá

Nívola Uyá

“Quería trabajar una capa de significado a través de la música, mencionando piezas clásicas que hubieran estado inspiradas en la naturaleza y que nos contagiaran pasión por la música. Junto con mi amiga, la violinista Carmen González, fundadora de la Escuela de Música Acordes, hicimos la selección de las piezas musicales”. 

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Un par de libros ilustrados. Este 2025 trabajaré en GEAS II. Mujeres que estudian la Tierra. Y también, fruto de nuestro trabajo en Trazos de Bosque, estamos ultimando un libro maravilloso, tipo manual, sobre Creatividad y Técnicas artísticas en y con la Naturaleza -en breve iniciaremos la búsqueda de editorial, por si alguna se asoma por aquí-”.

También podéis leer las entrevistas con Nívola Uyá sobre ‘Silencio‘ y ‘Baño de bosque‘.

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Ramón Trigo nos guía en un viaje iniciático a través de ‘Laberinto’

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Ramón Trigo

Laberinto’ es un viaje al corazón de África, cuyos paisajes, colores, sabores y secretos han ayudado al autor a descifrar su propio laberinto creativo. Kalandraka presenta así este álbum ilustrado de Ramón Trigo, con el que hemos charlado para que nos cuente un poco más sobre este proyecto.

Ramón Trigo

¿Cómo nace este proyecto? Ramón Trigo: “Laberinto es el resultado de un viaje que realicé a África en 2021. Ese año, por medio de Susa Martínez Garrido, comisaria y artista, la Embajada de España en Nigeria contactó conmigo para impartir unos talleres de arte en Abuja y Lagos. Durante mi estancia en Nigeria fui creando un diario de viaje compuesto de apuntes y bocetos que, posteriormente, se convirtieron en la base del libro”.

¿Qué encontrarán los lectores en sus páginas? “Por un lado se trata de un diario de mi experiencia en un continente que me era totalmente nuevo y desconocido. Pero también narra la historia de un personaje ficticio. Este personaje, a través de un viaje iniciático descubre nuevas formas de percibir lo que le rodea”.

Ramón Trigo

¿Por dónde transcurre este laberinto? “El laberinto, aunque se plantea como un espacio metafórico, en realidad transcurre en un lugar geográfico muy concreto: Nigeria -continúa Ramón Trigo-. Más concretamente en sus dos ciudades principales: Abuja (la capital) y Lagos”.

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “Mis ilustraciones suelen tener un carácter marcadamente pictórico, con bastante materia y trazos muy expresionistas. Esta característica está todavía más marcada en Laberinto porque el arte y concretamente la pintura es un elemento protagonista en la historia”.

Ramón Trigo

¿Con qué técnicas trabajaste? “Suelo mezclar todo tipo de técnicas en mis ilustraciones. En Laberinto utilicé desde pigmentos en polvo hasta dripping, pasando por todo tipo de materiales que tuviera mano. Pero una técnica destacable en el libro es el collage, ya que tiene un papel relevante en la narración”, asegura Ramón Trigo.

Háblanos un poco del proceso de realización de este libro. “La idea parte de mi diario de viaje compuesto por apuntes que fui haciendo de todo lo que me llamaba la atención durante mi estancia en Nigeria. Más tarde, tomando como base estos apuntes, realicé una serie de cuadros que se expusieron en una muestra en la que compartía espacio expositivo con varios artistas nigerianos en una galería de Abuja. Estas pinturas son la base de las imágenes que componen las ilustraciones Laberinto. Fueron estas imágenes las que me sirvieron de pauta para narrar la historia”.

Ramón Trigo

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Actualmente estoy realizando, junto a la poeta Branca Trigo, El montaje “O ser e o nervio”: una serie de intervenciones o actuaciones en directo que combinan pintura y poesía”.

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