La historia del avaro Ebenezer Scrooge, visitado por tres fantasmas en Nochebuena, ha emocionado a generaciones desde su publicación en 1843. Esta narración -una de las más emblemáticas de Charles Dickens- regresa en una cuidada edición ilustrada de Edelvives que resalta su carácter social y su mensaje de redención, tan vigente hoy como en el siglo XIX. ‘Canción de Navidad’ se presenta en su versión original, acompañada por las poderosas imágenes en blanco y negro de Mario Jodra, ganador del V Premio Internacional de Ilustración. Su propuesta visual, expresiva y comprometida, da nueva vida a los escenarios y personajes del relato, poniendo el foco en los contrastes sociales y en la transformación interior del protagonista. Con  Mario Jodra hemos charlado un poquito más sobre este libro.

Lo primero, cuéntanos cómo nace este proyecto. ¿Qué supone el Premio Internacional de Ilustración? “El proyecto nace a través del V Premio Internacional de Ilustración Edelvives. Para mí supuso un gran honor, y una excelente oportunidad de trabajar con una editorial de gran talla que realiza ediciones de lujo, muy cuidadas al detalle, que suelen ser reconocidas también con premios a los libros mejor editados, como uno reciente concedido por el Ministerio de Cultura, un proyecto que también nació a través del Premio Internacional de Ilustración Edelvives”.

¿Qué encontrarán los lectores en las páginas de este libro? “Una edición muy completa de esta obra clásica, con una traducción excelente, acompañada de anotaciones que le dan otra dimensión -comenta Mario Jodra-. En lo que respecta a mi trabajo, encontrarán una versión ilustrada muy personal, con mi visión más característica y oscura, basada en las sensaciones y experiencias que me transmitía Londres. Allí viví durante unos años, y parece que algunas cosas no han cambiado desde 1843, o, en algunos aspectos, se han transformado en algo mucho peor de lo que narraba Dickens en su obra. He querido reflejar esos pensamientos con mis dibujos. Muchos rincones que aparecen allí son lugares donde he vivido, como el East End de Londres”.

¿Cómo era tu relación con este clásico de Dickens y cómo ha cambiado tras este trabajo? “Es una obra totalmente universal. Está presente y arraigada en la cultura popular de todo el mundo, y ha pasado a ser parte del imaginario colectivo. En mi infancia debió haber muchos encuentros con ‘Canción de Navidad’. Está representada en más de 100 versiones de todo tipo y medio, desde los Teleñecos/The Muppets hasta versiones libres cinematográficas como ‘Los fantasmas atacan al jefe’. Además, las referencias a la obra son incontables”.

“Con respecto a cómo lo he visto después de ilustrar la obra, he podido profundizar más en Dickens y sentirme más próximo a sus palabras e intenciones -continúa Mario Jodra-. ‘Canción de Navidad’ es una obra moralista que denuncia miserias y pecados, y apela al miedo para corregirlos. La forma que tiene Dickens para transmitir todo esto es muy parecida a las fórmulas del terror gótico, muy de moda en esa época. Y es así como la he visto tras este encuentro escrutador, y esta interpretación es la que también he querido reflejar con mis dibujos: un cuento de terror oscuro. Y esa visión sería mi principal aportación (volviendo de nuevo a la pregunta anterior)”.

¿Cómo fue el trabajo previo al libro? Me refiero a esa fase de investigación, de documentación, también después de pruebas, no sé si de dibujos en algún cuaderno… “Pues hice un trabajo previo de documentación muy exhaustivo, meses antes de comenzar a trabajar con la editora y la directora de ilustración. En primer lugar acudí a la obra de Dickens, y a las diferentes versiones de ‘Canción de Navidad’, tanto de ediciones ilustradas como cinematográficas o teatrales. Me empapé de la época, buscando todo tipo de material. Para crear un armazón visual y simbólico utilicé cientos de fuentes distintas, muchas veces sin vinculación con la obra, ni con la época ni con la ciudad de Londres, pero que me han servido para reconstruir una imagen de todo ello, contando además otras historias. Como a veces esa reconstrucción es una versión de la fuente, se consigue una sensación de familiaridad que hace que se amplíen los sentidos”, afirma Mario Jodra.

“Una vez comenzó el trabajo conjunto, lo primero fue ajustar la estética general con alguna prueba de estilo. Se probó a darle algunos tonos y detalles de color, pero se terminó de decidir que sería íntegramente en blanco y negro puro por el propio tono oscuro que deseábamos darle, y para destacar los juegos orgánicos de textura del carboncillo, y centrarnos en las atmósferas”.

“También hice pruebas con el diseño de los personajes principales, para hacernos una idea de cómo debían ser representados. Después de perfilar este aspecto, nos lanzamos con el story general del libro, y tras darle forma, me lancé al bocetado de cada ilustración. Una vez aprobado todo, comencé su ejecución al carboncillo, para luego hacer unos tratamientos digitales para su remate final”.

¿Cual ha sido tu mayor descubrimiento tras ese proceso o qué te ha sorprendido más? “Más que un descubrimiento o sorpresa, lo que he encontrado como más revelador en todo este proceso es la confirmación de que lo más importante es la base, la idea inicial que tienes en la cabeza -asegura Mario Jodra-. Todo está sujeto a modificaciones, pero los cimientos dan la forma definitiva. Por eso es esencial reflexionar mucho y dar vueltas a todo hasta que cuaje en el terreno de las ideas, que esté todo perfectamente ordenado y visualmente completo en la cabeza antes de tocar un lápiz, y trasladarlo después a bocetos. Y a partir de esos bocetos, sabía lo que tenía que hacer, de cuánto tiempo disponía para ejecutar cada cosa, y cómo debía acabar el resultado, cumpliendo con cada etapa y agenda marcada, y con cierto margen para esas modificaciones, pues esto era un trabajo en equipo que requería de aprobaciones, sugerencias y cambios. Y en ese proceso también necesité convencer y hacer confiar en que lo que tenía en la cabeza iba a salir así”.

¿Cómo realizas la selección de las escenas que vas a mostrar con tus ilustraciones? “Como comenté anteriormente, hubo un proceso de selección durante el story del libro, donde se decidió todo mediante un ajuste consensuado. En primer lugar sugerí cuántas ilustraciones serían necesarias, qué escenas se podrían ilustrar y cómo podrían hacerse, pero todo sin bocetos, solo con las descripciones, por estrofas, y si eran a una página o a doble página. La labor de la editora y la directora de ilustración fue tomar el texto y ver cómo encajaba con el libro en mano, por estrofa, ritmo, cantidad y tipo de ilustraciones, para encontrar un encaje. Yo tenía una idea inicial que jugaba con los ciclos y etapas del tiempo y las repeticiones en las que solía redundar el libro, pero que se tuvo que ajustar por diferentes razones prácticas, como por ejemplo, el hueco que había en el libro, por estrofa, y cómo iba a aparecer cada ilustración sin adelantarse al texto, o quedarse atrás, así que algunas ilustraciones a doble página se quedaron a una, y al revés también. Una vez decidido todo, me lancé con los bocetos, teniendo las escenas muy claras ya en la cabeza, así que todo lo que salió de ahí solo lo tuve que ejecutar después con los carboncillos. Y aun así, también hubo cambios”.

“Ese fue un proceso de varios meses durante los cuales se tuvo que cambiar la idea de los ciclos, y descartar tres escenas que para mí eran importantes, una de ellas, la del carruaje fúnebre que se le aparece a Scrooge en las escaleras de su casa, que podía haber sido visualmente muy potente”.

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “Traté de aportar las atmósferas y la ambientación tenebrosa del terror gótico que el propio Dickens refleja en la obra en algunos tramos, y que no han sido representados en otras versiones, tanto ilustradas como cinematográficas”, afirma Mario Jodra.

“También quise incidir en el papel crucial que tiene el tiempo atmosférico, como por ejemplo la niebla, que desempeña un papel esencial en la narración previa a la aparición de los fantasmas para darle un ambiente de misterio y terror. He consultado cientos de representaciones visuales y, sorprendentemente, apenas se ha tratado esto, incluso a pesar de que la niebla siempre ha estado ligada al Londres victoriano. Solo se suele destacar la nieve que aparece en todo momento, pero es que para Dickens tenía un carácter simbólico que representaba su infancia en la campiña británica, y por eso solo aparece en determinados tramos del cuento en los que habla de la felicidad y la pureza”.

Ya has comentado algo pero, ¿con qué técnicas trabajaste? “La técnica que utilizo para dibujar es carboncillo sobre papel. En esta ocasión decidí que casi todos los dibujos tuvieran un posterior tratamiento digital. Ya lo había hecho antes, pero ahora quise integrarlo en toda la obra. Utilicé texturas hechas con carboncillo como “potenciadores” para crear atmósferas y ambientaciones, así como sombreados y brillos para jugar con los contrastes de impacto, y el carácter orgánico propio de la técnica del carboncillo, la más primitiva y antigua que existe, y que nos lleva a la noche de los tiempos. El carboncillo es muy adaptable y versátil, a veces te lo da todo hecho, y da muchísima cancha para experimentar y darle usos más modernos”, confiesa Mario Jodra.

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Ahora mismo estoy con varios proyectos. Estaba retomando los proyectos aparcados de autoedición de mi sello ElSordo.net que se me fueron acumulando, y también concretando detalles para comenzar próximamente un nuevo libro ilustrado con otra editorial que también saca ediciones excelentes y muy cuidadas. Sería una obra que me motiva mucho, y con la que puedo hacer mucho juego”.

En ‘Mi abuelo’, la ilustradora portuguesa Catarina Sobral nos deja espiar la relación entre un niño y su abuelo, un hombre mayor con una particular y distendida relación con la vida diaria y con el tiempo. Este álbum ilustrado que edita Limonero es también una forma sabia y desprejuiciada de acercarse a los trances de la vejez. Sobre este proyecto hablamos un poquito más con su autora en las siguientes líneas.

Lo primero, cuéntanos cómo nace este proyecto. “Este libro fue publicado en 2014 por Orfeu Negro, un año y medio después de Achimpa, y yo estaba muy frustrada porque, con el trabajo por encargo, no conseguía dedicar tiempo a crear un proyecto original. La idea surgió de ahí, de un intento de entender cómo el tiempo pasa rápido o lento, dependiendo de lo que nos gusta hacer. Propuse el texto con algunos bocetos a la editorial y, como les gustó, seguimos trabajando”, nos cuenta Catarina Sobral.

¿Qué encontrarán los lectores en las páginas de este libro? “Una historia en torno a tres personajes, de tres edades distintas y formas diferentes de experienciar el tiempo. El abuelo, su nieto y su vecino. A través de sus rutinas y del contrapunto entre ellas, comprendemos cómo el tiempo se relaciona subjetivamente con nuestras tareas y con nuestra compañía”.

¿Cómo fue el trabajo previo al libro? Me refiero a esa fase de pruebas, no sé si de dibujos en algún cuaderno… “Hice muchas pruebas de técnicas y lenguaje gráfico en hojas sueltas. Buscaba un vocabulario que remitiera a los años 50/60 y quería hacer el libro con colores especiales. Por lo tanto, la técnica implicaba siempre hacer superposiciones y trabajar con una paleta de colores reducida”, asegura Catarina Sobral.

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? “Fueron dibujadas con un cúter. Por eso parecen tener una geometría irregular: están hechas a mano, pero con la limitaciones de una cuchilla. Además, tienen algo de ruido alrededor de las formas, como una vibración, porque la técnica es de oscuro a claro. Es como si estuviera dibujando los vacíos. Borrando, en lugar de rellenando”.

¿Con qué técnicas trabajaste? “Es pintura acrílica sobre acetato. Está pintada con un pincel ancho y, una vez seca, lo que hago es eliminar con un cúter lo que no es forma. Primero, delineando las formas y luego raspando lo que está de más”, afirma Catarina Sobral.

¿Nos podrías dar algunas pinceladas más sobre el proceso de elaboración de este libro? “Lo que me parece más importante del libro es su montaje. La narración verbal casi nunca menciona al vecino del abuelo, pero la visual, las imágenes, siempre contraponen las rutinas del abuelo y las de su vecino. Así, casi todo el libro está construido con páginas simples, una para el vecino – la página izquierda – y otra para el abuelo y su nieto – la página derecha. Pero la composición de las dos páginas contiguas suele pensarse en conjunto: una rotación del punto de vista, una posición/gesto similar, un raccord…”.

“Además -continúa Catarina Sobral-, la estructura es simétrica: el libro comienza con 3 dobles y termina con 3 dobles. Al principio, el abuelo está en la página izquierda, pero cuando se cruza con el vecino en el edificio, pasa a la derecha. Y lo mismo ocurre, pero a la inversa, al final del día (no es que la historia transcurra en un solo día, pero la narración utiliza el comienzo y el final del día para acomodar todo lo que los dos personajes suelen hacer en sus rutinas). Es decir, el contrapunto es el recurso más importante para añadir significado, sobre todo porque el texto deja mucho que contar a las imágenes”.

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Estoy haciendo una obra de teatro para niños. Se llama ‘Perder’ y quizá se convierta en un libro”.

También puedes leer en el blog la entrevista con Catarina Sobral sobre su trabajo en ‘Vacío’.

Un libro sin palabras. Un espléndido día de otoño. Siete amigos se adentran en el bosque. Cruzan arroyos, se suben a los árboles. Recogen castañas, calabazas, setas. Llueve, y se ensucian en los charcos. Vuelven a casa felices. Con estas frases la editorial Akiara Books nos presenta ‘Vamos al bosque‘, un proyecto de Verónica Fabregat, con la que charlamos un poco más en las siguientes líneas sobre este proyecto.

Hace ya tiempo hablamos aquí en el blog sobre tu trabajo en ‘Jugamos al escondite’. En ese libro aparecieron unos personajes que después han seguido juntos. ¿Cómo han ido evolucionando esos personajes y, sobre todo, su entorno? «En el primer libro no existía la idea de hacer una serie de libros, ni nada parecido. Pero cuando terminamos ‘Jugamos al escondite’, Inês Castel-Branco, editora de Akiara Books me propuso que el grupo de personajes podía ser protagonista de una nueva aventura. Así que los “enviamos” a la playa, y ahí empezó a formarse la idea de nuevos libros en diferentes estaciones y paisajes».

«Los personajes estaban bastante definidos desde el primer libro. Es una parte, la del estudio de personaje, que disfruto mucho. Lo que sí ha evolucionado es el dibujo, ya que han pasado 4 años y ¡aquel era mi primer libro! Así que sí noto una evolución en el dibujo y en que en cada libro me ha resultado más sencillo representarlos», nos cuenta Verónica Fabregat.

¿Con qué personaje te identificas más? «Me identifico con la niña pelirroja a nivel físico, y en cuanto a personalidad, con el niño alto moreno, que es más introspectivo».

Después de jugar al escondite, han estado en la playa, han jugado en la nieve y ahora van al bosque, ¿Qué encontrarán los lectores en las páginas de estos libros? «Encontrarán un grupo de niños y niñas que juegan libremente en la naturaleza, ese es el hilo conductor de los 4 libros de la colección. Pero ademas encontrarán animales y detalles para mirar, pequeñas historias que suceden paralelas a la trama principal, y libertad para inventar las suyas propias», afirma Verónica Fabregat.

Las ilustraciones hablan por sí solas, son libros sin palabras… «Sí, por eso. Pero además, permiten que los lectores creen sus propios argumentos, interpreten, o se fijen en cada momento en cosas diferentes. Permiten descubrir, esa era la intención. Al comienzo un libro sin palabras nos puede hacer sentir incómodos, especialmente como adultos mediadores. Estamos tan acostumbrados a que los libros tengan texto, que no sabemos exactamente qué hacer con ellos -continúa Verónica Fabregat-. Pero si invitamos a los niños y niñas a mirar, a sumergirse en las imágenes, ellos solos encontrarán mil argumentos  e ideas para tirar del hilo y continuar con una historia que pueden hacer suya».

¿Cuál es tu relación con la naturaleza? Siempre está presente en estos libros. Pero cambia según la estación, ¿con qué época del año te quedas? «Yo en la naturaleza me siento especialmente bien, me siento más conectada con las cosas esenciales para mí, entre ellas, con el dibujo. Además, disfruto mucho dibujándola, eso no lo sabía hasta que empecé con ‘Jugamos al escondite’, y me resulta instintivamente más fácil que dibujar otros entornos, como las ciudades». 

«Respecto a las estaciones, antes era fan incondicional de la alegría del verano, pero ahora le encuentro el sentido a las sensaciones que se despiertan en cada una de ellas, y me gusta que haya unas estaciones más expansivas y otras más introspectivas».

Háblanos un poco del trabajo previo al libro. Me refiero a esa fase de investigación, de pruebas, no sé si de dibujos en algún cuaderno… «En este libro el proceso ha sido más sencillo, puesto que los personajes estaban desarrollados y puedo decir que los “conocía” en profundidad. Entonces, la investigación o estudios previos que realicé se centraron sobretodo en la vegetación; cuáles eran los árboles que perdían hoja, cómo representarlos… Y es que donde yo vivo no se puede ver este otoño espectacular, rojo, amarillo y marrón. Aquí la vegetación es de hoja perenne y el otoño es mucho menos evidente, visualmente. Así que tuve que trabajarlo más».

«También los animales tienen algún trabajo previo. Cómo dibujar jabalíes, corzos, hurones, jinetas… es algo que requiere un poco de investigación y varios bocetos para entender cómo son y cómo representarlos», asegura Verónica Fabregat.

¿Con qué técnicas trabajaste? «Trabajé siempre con lápices de colores. El trabajo es manual y después escaneo, limpio la imagen y retoco detalles si es necesario, pero en general los dibujos son prácticamente iguales a las ilustraciones que se pueden ver el los libros».

El color es muy importante en estos libros, pero en este último del bosque es muy singular… «Si, en este libro he potenciado los colores del otoño, en parte para hacer esta estación bien evidente, y también para diferenciarlo de ‘Jugamos al escondite’, que tenía lugar también en el bosque. Hay tanta belleza en los bosques otoñales, y nos produce tanto asombro, que me he esforzado porque esa sensación estuviera en el libro a través del color».

Danos algunas pinceladas sobre el proceso de realización de este libro. «Al tener ya los personajes claros, comencé con el storyboard, que preparo de manera muy sencilla en dibujos muy pequeños que me ayudan tanto a pensar qué sucederá (trama), como a componer las posibles escenas. Después, trabajo la narratividad y el ritmo armando unos pequeños libros en los que puedo probar la interacción y qué sucede al pasar página. A continuación ya dibujo cada una de las escenas con todo su detalle, primero más pequeñas, después a tamaño final. Por último, con ese último dibujo, voy a la mesa de luz y trabajo el final», relata Verónica Fabregat.

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? «Estoy comenzando a ilustrar un libro para bebés con un texto muy especial, que será publicado el año que viene».