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Isidro Ferrer y su ‘No’ rotundo a la guerra

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“Un día el mundo deja de tener sentido. Te ves empujado a jugar al escondite alrededor de un agujero sin fondo. La guerra”. ‘No es un grito silencioso. ‘No’ es un libro que habla de lo esencial, de salvaguardar la infancia, de no rendirse pese a todo. Con muy pocas palabras, la escritora Paula Carbonell cuenta la historia de una hermana y un hermano, que podrían ser cualquiera de nosotros, atrapados en el absurdo de la guerra. El ilustrador Isidro Ferrer construye lo inimaginable con apenas unos trozos de madera, creando un contundente lenguaje visual con una escalera que cambia de forma y funciones y un agujero en el suelo que no para de crecer. ‘No’ nace de la impotencia, la rabia y la pena, pero sobre todo es un no querer mirar a otro lado, incluso cuando al mundo leda igual. En definitiva, un no visceral al horror de la guerra. Con estas contundentes palabras la editorial A buen paso nos presenta este álbum ilustrado, del que hemos hablado con su ilustrador, Isidro Ferrer.

Isidro Ferrer

¿Cómo nace este proyecto? “El proyecto nació hace tiempo, mucho tiempo. Hace más de 16 años. Paula Carbonell, coautora del libro, cuenta en sus presentaciones que el texto nació fruto del impacto que le produjo ver en TV las imágenes de un autobús bombardeado lleno de civiles durante la guerra de Irak. Cuenta que verlas le provocó el vómito y que a las pocas horas regurgitó “NO” como un segundo vómito. Inicialmente el texto estaba dirigido a otro ilustrador, pero no llegó a materializarlo. Desconozco las causas. Pasaron 2 años desde que lo escribiese hasta que me lo enviara. Antes de recibirlo, el escritor Grassa Toro, con quien he trabajado en múltiples proyectos y en quien confío plenamente, me había hablado muy bien de la propuesta de Paula y me había animado a ilustrarlo. El texto me gustó de inmediato y supe que albergaba un libro duro y comprometido. Un libro difícil pero apasionante”.

“El paréntesis se abrió en el instante de asumir el reto de ilustrar “No”. Soy un ilustrador titubeante -confiesa Isidro Ferrer-. Los proyectos que asumo son de combustión lenta. Por una razón u otra el momento de abordar las ilustraciones no terminaba de concretarse. ¿Qué pasó durante estos 16 años? Pasó todo lo que había entre un extremo y el otro del paréntesis. Pasó la vida. Y pasaron muchos otros proyectos de ilustración y de diseño. Durante este tiempo de barbecho el libro fue permutando, fue múltiples libros. Imaginariamente fue resuelto de formas diferentes. El proyecto evolucionó conmigo, maduró pacientemente conmigo. Creo sinceramente que el tiempo es un factor esencial en la concreción de las ideas y creo que estos 16 años fueron necesarios. El libro es cómo es gracias al tiempo de espera”.

Isidro Ferrer

“El proyecto se reactivó motivado por la invasión de Gaza. Frente a la pantalla, y conforme avanzaba el conflicto, experimenté una estupefacción, rabia e indignación similar a la que condujo a Paula a vomitar el texto. Mi visceral reacción fue producto de la urgencia por manifestar mi enojo y mi repulsa. La parte gráfica del libro, que elaboré de forma inmersiva en apenas 3 meses, es la respuesta al genocidio sufrido por el pueblo palestino. Detrás de las imágenes silenciosas de “No” están las atroces imágenes que durante año y medio de exterminio se han ido acumulando en la retina, imágenes donde la población civil, fundamentalmente niños y mujeres, son víctimas de esta atrocidad”.

¿Qué te pareció el texto cuando lo tuviste en tus manos? “El texto es extraordinario: es sencillo, es poético, es conciso, es preciso, es brillante, es un texto escrito desde la renuncia, esa una de sus grandezas. Otro de sus aciertos es que rehúsa la descripción y deja espacios para que la ilustración se independice de las palabras”, afirma Isidro Ferrer.

Isidro Ferrer

¿Qué encontrarán los lectores en sus páginas? “Encontrarán un posicionamiento ético frente a los conflictos bélicos, encontrarán lo que con precisión Ximo Palau ha escrito para la revista Llegir.cat: “No” es una obra que apela directamente a nuestra conciencia y sensibilidad, recordándonos la importancia de la infancia y el derecho de todos los niños a vivir en paz. Esta historia nos interpela a no ser indiferentes ante la tragedia de la guerra y levantar la voz para decir no a la violencia y la destrucción. Es un llamamiento a la responsabilidad colectiva ya la necesidad de construir un mundo en el que los juegos infantiles no sean sustituidos por los horrores del conflicto. NO. Isidro Ferrer & Paula Carbonell. A buen paso. El título es lo más claro que se le puede decir a una Guerra, ¿no?… Y se hace aún más grande con la actualidad…”

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “Creo que hay una dramaturgia que en otros trabajos anteriores no había desarrollado -continúa Isidro Ferrer-. El estrecho vínculo que existe entre algunas de mis propuestas gráficas y el arte escénico es evidente; de forma deliberada vengo abundando en esta interacción desde hace mucho tiempo. A pesar de ello, o precisamente por ello, “No” es el trabajo más teatral que he realizado hasta el momento. Desde la concepción hasta la realización, todo el proceso y el desarrollo, se nutre de una profunda esencia dramática. Es la primera vez que concibo la narrativa visual enteramente desde la óptica de un director de escena, en lugar de hacerlo desde un punto de vista plástico. El resultado estético es consecuencia de esta decisión. “No” se puede percibir como una pieza teatral”.

Isidro Ferrer

¿Con qué técnicas trabajaste? “Más que con técnicas he trabajado con herramientas, con las herramientas propias del teatro; he trabajado con el espacio, con la dirección de personajes, con la construcción escenográfica, con el movimiento, con la coreografía, con el tiempo, pero sobre todo he trabajado con la luz. La luz es esencial en este libro. La luz es la que define las situaciones, la construye la realidad, la que genera desasosiego, la que da corporeidad a la angustia”.

¿Con qué materiales has trabajado para los personajes? “Los personajes, al igual que el resto de elementos, están construidos en madera, papel y cartón”, asegura Isidro Ferrer.

Isidro Ferrer

Háblanos un poco del proceso de realización de este libro. “En el proyecto he recurrido a mi experiencia en el teatro, también al trabajo de algunos escenógrafos, iluminadores y directores en los que he encontrado un discurso plástico que encaja perfectamente con mi intención narrativa: Adophe Appia, Gordon Craig, Bertolt Brecht, Tadeusz Kantor, Robert Wilson. Me he alejado deliberadamente del lenguaje habitual de la ilustración para abrazar desde la simplicidad, el lenguaje de la representación. Hay una búsqueda deliberada de reducir al máximo los elementos escénicos para dejar espacio expresivo a los actores. La ausencia de color, el vacío, el silencio, son elementos que potencian la angustia, el desamparo y la fragilidad de los personajes que se mueven perdidos sobre el escenario”.

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Antonio Lorente y los ‘Grandes amores’ de la literatura y el cine

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Antonio Lorente

En ‘Grandes amores’, Espido Freire y Antonio Lorente nos llevan a vivir historias de amor inmortales, nos lleven en un viaje por la literatura y el cine. Este libro editado por Edelvives nos transporta a través de los amores más memorables de la literatura universal, desde la antigüedad hasta el siglo XX. Espido Freire desvela los secretos de estas historias: cómo nacieron, el impacto que causaron en su tiempo y por qué sus protagonistas siguen cautivándonos. Las semblanzas combinan la belleza de los textos literarios con detalles históricos y culturales, enriqueciendo la experiencia tanto para lectores veteranos como para quienes se inician en estas obras. Lo que viene a continuación es el resultado de una pequeña charla con Antonio Lorente en torno a su trabajo en este libro.

Antonio Lorente

Danos algunas pinceladas de este nuevo trabajo. “Una de las novedades es que vuelvo a colaborar con una autora que está viva, porque llevo mucho tiempo, desde los libros que he hecho con mi hermana, haciendo esos clásicos de autores que no podían decir si les gustaba o no lo que estaba haciendo. Es un libro que he desarrollado con Espido Freire, que es todo un honor contar con ella para hacer este libro”, afirma Antonio Lorente

¿Qué nos vamos a encontrar en sus páginas? “Son los grandes amores de la literatura, son 20 personajes icónicos, parejas icónicas de la literatura que todos conocemos, ordenados cronológicamente, desde Odiseo, Penélope, pasamos por Romeo y Julieta o Jane Eyre. Hay un montón, no quiero desvelarlos todos, pero es eso: lo que es el amor, hasta la actualidad incluso. Se inicia con ‘El beso de la mujer araña’, que es un libro que me encanta. Es un compendio de amoríos, y estamos muy contentos de lo que hemos realizado”. 

Antonio Lorente

¿Cómo ha sido el trabajo con Espido Freire? ¿Cómo ha sido la dinámica? “Muy fácil, la verdad que ha sido muy fácil, porque es cierto que, aunque no interviniésemos directamente en el trabajo de cada uno, sí que éramos conscientes de lo que estaba haciendo el otro. Me pasaban su relato en este caso, ella por ejemplo hablaba, no sé, de Romeo y Julieta, se habla sobre esta pareja icónica, se contextualiza, aparte que está muy bien escrito, porque ella escribe súper bien, y yo realizo la ilustración”. 

“Es cierto que mi ilustración no es que se base 100% en su texto -continúa Antonio Lorente-, sino que de alguna manera tienen lecturas diferentes, porque yo hago Romeo y Julieta y ella escribe sobre Romeo y Julieta, pero no tengo que ceñirme 100% a lo que ella está escribiendo, entonces ha sido como muy cómodo, porque de alguna manera es como que los dos tenemos cierta autoría dentro de lo que se está escribiendo o dibujando, es muy guay”. 

Antonio Lorente

¿Cómo ha sido tu trabajo de documentación o de investigación en este caso? “A la mayoría de personajes los conocía, porque son historias universales que todos conocemos, pero es cierto que también muchas de ellas están súper contaminadas… En el cine se han realizado muchísimas películas, entonces, claro, hay algunas que he tenido que hacer una labor de investigación bastante fuerte para no meter la pata, no equivocarme… Pero para eso también, gracias a todo el equipo que tenemos dentro de Edelvives, que me van mirando todo, me van ayudando y van diciendo también, Antonio, ten cuidado que esto tal, o que esto cual… O sea, que intentamos no meter la pata para que llevemos, cronológicamente, todo al dedillo”.

Antonio Lorente

Si hablamos de la técnica, imagino que es la misma de otros trabajos… “En este libro hay un poco de todo, pero sí que mantiene la misma línea. Igual que en el trabajo de ‘Sleepy Hollow’ era mucho más pictórico, mucho más experimental, aquí no me he desviado mucho de lo que ya controlo durante mucho tiempo. La mezcla de lo artesanal y lo digital es lo que forma un poco mi trabajo ilustrado. Y bueno, si le echas un vistazo a las ilustraciones, ves que no es tan experimental como lo que he querido hacer en trabajos anteriores, sino que mantiene la línea en la que estoy a gusto. Sí que es verdad que lo que hace diferente este libro es que cuando se me planteó el proyecto y vi un poco de lo que trataba, dije, guau, creo que hay que hacer como carteles de cine. Porque el amor es de película, ¿no? Y todo lo que lleva este libro es como muy cinematográfico. De qué manera podía llevar eso a la ilustración, cuando hablamos de historias que son súper clásicas también, como si fuese un cartel de cine, un cartel de película”, asegura Antonio Lorente

Antonio Lorente

Siguen teniendo mucho peso en la manera en que desarrollas las ilustraciones los retratos. “Siempre, siempre, siempre. Y aparte he estado muy cómodo realizando estos en concreto, porque, al ser una sola imagen… Normalmente me cuesta muchísimo, supongo que como en todo proyecto que te involucras mucho, me cuesta mucho relatar una historia, o cuando los personajes van creciendo como en Mujercitas. Esos son súper retos para mí. Y este, sin embargo, ha nacido de una manera muy natural, porque al final es una sola imagen lo que representa o acompaña a ese relato. Creo que es algo parecido a Genios”. 

El hecho de que sea una sola imagen para mostrar un relato, por un lado puede parecer más fácil, pero al mismo tiempo es más difícil porque hay que condensarlo todo en una sola imagen… “Pues tienes toda la razón, es cierto. En ese momento no lo pensé. Pero tienes razón, porque al final, Romeo y Julieta, ¿cómo los haces? ¿Los hago muertos? ¿Los hago en el balcón? ¿Qué imagen intento captar para ese cartel de cine que conecte con la gente en un solo vistazo? Pues es cierto, al final jugándotela. Te la juegas y dices, bueno, a ver, intento hacer lo que a mí me apasiona o lo que yo creo que puede conectar más y como nunca sabrán qué otra opción habría hecho, pues nos quedamos con la que realizo”. 

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Nívola Uyá nos introduce en ‘El Alma del Violín’

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Nívola Uyá

El alma del violín’ es un álbum ilustrado inspirado en la historia real de Gaspar Borchardt, un lutier enamorado de su trabajo, cuyas creaciones son extraordinarias, tiene un sueño que cumplir: desea fabricar el violín con la madera más exquisita del mundo. Una madera procedente de un árbol que más parece una leyenda, sito en unos bosques casi extintos, harán de esta aventura una experiencia única. No será fácil, pero en el camino hacia cumplir su sueño, el protagonista nos dejará un gran aprendizaje: el amor por aquellas cosas que hacemos, el respeto a la naturaleza, el valor del arte y la música como un patrimonio de incalculable valor y tener la osadía de perseguir nuestros sueños hasta hacerlos realidad. Un libro de Nívola Uyá, editado por Cuento de Luz. Con su autora hemos charlado un poco más en torno a este proyecto.

Nívola Uyá

Lo primero, cuéntanos cómo nace este proyecto. “Nace después de ver un inspirador documental «The Quest for Tonewood«, sobre la historia real del lutier Gaspar Borchardt y toda su aventura en busca de una madera extraordinaria para construir el violín perfecto .nos cuenta Nívola Uyá-. Fascinada con el documental, contacté con Gaspar para felicitarle. Finalmente, un par de meses después, acabé proponiéndole fabular su historia”.

¿Qué encontrarán los lectores en las páginas de este libro? “La aventura de un lutier en busca de la realización de un sueño, construir un violín perfecto. En este “viaje de iniciación” encontrarán la historia de amor a un árbol y unión a la Naturaleza. También es un libro que acerca la mirada a los procesos creativos, al valor de la artesanía y al trabajo manual. Durante la lectura nos acompaña la pasión por la música y una pequeña banda sonora de piezas clásicas inspiradas en el rocío de la mañana, los murmullos del bosque o las tormentas de verano”.

Háblanos de Gaspar Borchardt, en quien está inspirado, y tu visita a su estudio. “Gaspar Borchardt es un lutier de violines, violas y violoncelos, con un taller hermoso en la Plaza del Duomo en Cremona. Esta ciudad del norte de Italia es famosa por ser la cuna de los lutiers más ilustres de la historia, como Amati, Stradivari o Guarneri.”, nos cuenta Nívola Uyá

“Decidí ir a conocerlo en persona. El verano pasado viajé desde España para visitar, junto a mi hija, su taller. Nos mostró con mimo los pasos de creación de un violín, los materiales, el almacenamiento de las maderas, las herramientas y su filosofía de trabajo: la unión de mente, manos y corazón. Se mostró encantador con mi hija, nos invitó a lijar, comprobar la densidad de la madera, nos enseñó cómo hace las colas y barnices con recetas tradicionales, pudimos admirar la precisión y sensibilidad que requiere esta profesión”.

Nívola Uyá

“Mientras estábamos en el taller presenciamos una «escena mágica» -continúa Nívola Uyá-. Durante nuestra visita entró una joven promesa del violín para que Gaspar retocara su instrumento. El lutier le dejó probar el famoso violín del documental, el mejor del mundo, y cuando lo tocó, se creó un momento único, en el que parecía que el tiempo se hubiera parado, el violín tenía voz propia”. 

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “He querido incorporar una estética artesanal. Por otro lado, he trabajado más conceptualmente, con metáforas visuales con el violín y la madera como protagonistas”. 

Nívola Uyá

¿Con qué técnicas trabajaste? “Este libro es fusión de técnicas: acrílicas, acuarelas líquidas, lápices de colores, lápiz de grafito y estampación botánica. Con la estampación botánica, he capturado siluetas y texturas de las plantas para enfatizar la conexión con la naturaleza en las ilustraciones”, asegura Nívola Uyá

Nívola Uyá

Danos algunas pinceladas sobre el proceso de realización de este libro. “Lo que más me estimulaba en este proceso, era trabajar tras la idea o la pregunta sobre dónde reside el alma de las creaciones: en los creadores, en sus procesos, en la infancia, en los materiales, en los receptores, ¿nace de la propia naturaleza y lo demás son canales, una combinación?… Así que fui considerando estos elementos, sin ofrecer ninguna respuesta explícita”. 

Nívola Uyá
Nívola Uyá

“Sobre el texto, a partir de la historia real, me imaginé una búsqueda en la que la comunicación con la natura se revelaba a través del encuentro con diferentes animales totémicos, el águila, el oso, la cabra o el ciervo y también con elementos y fuerzas de la natura como la lluvia y el viento”, afirma Nívola Uyá

Nívola Uyá

“Quería trabajar una capa de significado a través de la música, mencionando piezas clásicas que hubieran estado inspiradas en la naturaleza y que nos contagiaran pasión por la música. Junto con mi amiga, la violinista Carmen González, fundadora de la Escuela de Música Acordes, hicimos la selección de las piezas musicales”. 

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Un par de libros ilustrados. Este 2025 trabajaré en GEAS II. Mujeres que estudian la Tierra. Y también, fruto de nuestro trabajo en Trazos de Bosque, estamos ultimando un libro maravilloso, tipo manual, sobre Creatividad y Técnicas artísticas en y con la Naturaleza -en breve iniciaremos la búsqueda de editorial, por si alguna se asoma por aquí-”.

También podéis leer las entrevistas con Nívola Uyá sobre ‘Silencio‘ y ‘Baño de bosque‘.

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Ramón Trigo nos guía en un viaje iniciático a través de ‘Laberinto’

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Ramón Trigo

Laberinto’ es un viaje al corazón de África, cuyos paisajes, colores, sabores y secretos han ayudado al autor a descifrar su propio laberinto creativo. Kalandraka presenta así este álbum ilustrado de Ramón Trigo, con el que hemos charlado para que nos cuente un poco más sobre este proyecto.

Ramón Trigo

¿Cómo nace este proyecto? Ramón Trigo: “Laberinto es el resultado de un viaje que realicé a África en 2021. Ese año, por medio de Susa Martínez Garrido, comisaria y artista, la Embajada de España en Nigeria contactó conmigo para impartir unos talleres de arte en Abuja y Lagos. Durante mi estancia en Nigeria fui creando un diario de viaje compuesto de apuntes y bocetos que, posteriormente, se convirtieron en la base del libro”.

¿Qué encontrarán los lectores en sus páginas? “Por un lado se trata de un diario de mi experiencia en un continente que me era totalmente nuevo y desconocido. Pero también narra la historia de un personaje ficticio. Este personaje, a través de un viaje iniciático descubre nuevas formas de percibir lo que le rodea”.

Ramón Trigo

¿Por dónde transcurre este laberinto? “El laberinto, aunque se plantea como un espacio metafórico, en realidad transcurre en un lugar geográfico muy concreto: Nigeria -continúa Ramón Trigo-. Más concretamente en sus dos ciudades principales: Abuja (la capital) y Lagos”.

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “Mis ilustraciones suelen tener un carácter marcadamente pictórico, con bastante materia y trazos muy expresionistas. Esta característica está todavía más marcada en Laberinto porque el arte y concretamente la pintura es un elemento protagonista en la historia”.

Ramón Trigo

¿Con qué técnicas trabajaste? “Suelo mezclar todo tipo de técnicas en mis ilustraciones. En Laberinto utilicé desde pigmentos en polvo hasta dripping, pasando por todo tipo de materiales que tuviera mano. Pero una técnica destacable en el libro es el collage, ya que tiene un papel relevante en la narración”, asegura Ramón Trigo.

Háblanos un poco del proceso de realización de este libro. “La idea parte de mi diario de viaje compuesto por apuntes que fui haciendo de todo lo que me llamaba la atención durante mi estancia en Nigeria. Más tarde, tomando como base estos apuntes, realicé una serie de cuadros que se expusieron en una muestra en la que compartía espacio expositivo con varios artistas nigerianos en una galería de Abuja. Estas pinturas son la base de las imágenes que componen las ilustraciones Laberinto. Fueron estas imágenes las que me sirvieron de pauta para narrar la historia”.

Ramón Trigo

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Actualmente estoy realizando, junto a la poeta Branca Trigo, El montaje “O ser e o nervio”: una serie de intervenciones o actuaciones en directo que combinan pintura y poesía”.

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