Situado en la madrileña plaza de Callao, el Florida se convirtió desde su fundación en 1924 en emblema de la modernidad y en atalaya privilegiada de una nueva época. Su imponente fachada fue testigo de la dictadura de Primo de Rivera, de la Segunda República, de la Guerra Civil y del franquismo. Derribado en 1964 y reemplazado por unos grandes almacenes, dejó una huella imborrable en el corazón de Madrid y en el de los huéspedes y empleados que lo ocuparon.

El periodista Carlos García Santa Cecilia y la dibujante Antonia Santolaya conmemoran en viñetas de pulso documental el centenario de esa pequeña colmena humana que fue el hotel Florida, auténtica encrucijada de destinos en la capital de España, en este cómic editado por Norma Editorial.

¿Cómo nace este proyecto? Antonia Santolaya: “El proyecto vino a mí de la mano de Carlos García Santa Cecilia. Carlos es periodista, editor y organizador de las jornadas del Hotel Florida. Felipe Hernández Cava le sugirió mi nombre para llevar a cabo el proyecto. Carlos me expuso la idea y compartió conmigo toda la información con la que contaba. Tuvimos varias reuniones previas y en una de ellas acordamos el personaje que sería el hilo conductor de la trama. A partir de ahí, busqué en internet imágenes de la época y de los personajes para poder trasladarme al momento, a las distintas experiencias y enriquecer los detalles”.

¿Qué encontrarán los lectores en sus páginas? “Los lectores, al igual que yo misma, podrán descubrir un edificio que con tan sólo 40 años de existencia fue espejo del final de una época e inicio de otra”.

Danos algunas pinceladas sobre el trabajo de investigación y documentación para este libro. “Como te he comentado con anterioridad, Carlos lleva años trabajando e investigando en el tema -continúa Antonia Santolaya-. Creo que ya han realizado 9 jornadas del Hotel Florida con el apoyo del Ámbito Cultural de El Corte Inglés. La colaboración de estos se debe a que el edificio de El Corte Inglés está en el espacio donde estaba situado el Hotel Florida”.

¿Cuál dirías que ha sido el mayor descubrimiento tras ese trabajo? “Desde un inicio, y teniendo en cuenta que yo desconocía la existencia del hotel, todo ha resultado ser un descubrimiento. Me sorprendió mucho el abundante número de reporteras de guerra de otros países que se aventuraron a ser los ojos y la voz de las víctimas para el mundo. Me sorprendió cómo yo misma conocía la fotografía de Robert Capa sin saber que era el seudónimo de Gerda Taro y Endre Friedmann. Así mismo, es el inicio del trabajo como reportera de Martha Gelhorn. El libro está lleno de anécdotas”.

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “Cada trabajo me sugiere una necesidad y un enfoque. Para este trabajo utilicé grafito y Photoshop -nos cuenta Antonia Santolaya-. Elegí limitar el uso del color entre luz y sombra que no respetara los límites de las formas en el dibujo. Hay momentos en los que cambio de registro para, por ejemplo, intensificar la voz infantil que describe la escena. Si necesito que el protagonismo sea lo que siente un personaje, puedo resaltar la desproporción entre las cosas poniendo la forma al servicio de la expresión. Creo que hay similitudes con el trabajo que hice para “Todos o ninguno” con La Camocha, Ponent Mon, o con la historieta que creé sobre el covid en “Efectos secundarios”, editada por Astiberri.

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún proyecto nuevo? “Este año pasado publiqué con el CDN la revista Dramática nº 7 sobre la historia del Centro Dramático desde las anécdotas de sus trabajadores. En 2025 se publicará un cuento infantil en Iglú Editorial. Participo en un proyecto de dibujo Washington-Madrid con el Museo ABC y la Embajada de España en Washington. Además, hay un proyecto nuevo con Felipe Hernández Cava en curso y otro proyecto que tengo congelado por falta de tiempo para abordarlo, pero del que ya tengo unos capítulos terminados”.

Paisajes nevados y centelleantes. La montaña, imponente. Los Alpes y sus tierras azules inspiraron a la pintora alemana Gabriele Münter algunos de sus mejores cuadros. Fundadora y miembro del grupo artístico El Jinete Azul, desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del expresionismo alemán de comienzos del siglo xx. La ilustradora Mayte Alvarado se asoma a las etapas vitales de Gabriele Münter, desde su llegada al pueblo de Murnau, pasando por su estancia en París, y recrea como parte del escenario de la novela gráfica los propios cuadros de la pintora alemana. Un paseo al ritmo de las cuatro estaciones por el arte de Münter, muchas veces injustamente eclipsado por su relación sentimental con Kandinsky. ‘Gabriele Münter. Las tierras azules’ es una coedición entre Astiberri y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con motivo de la exposición ‘Gabriele Münter. La gran pintora expresionista’ que se puede visitar en Madrid hasta el 9 de febrero de 2025. Con Mayte hemos charlado un poquito más sobre su trabajo.

¿Cómo nace este proyecto? Mayte Alvarado: “Este proyecto es un encargo de la Fundación Thyssen-Bornemisza y la editorial Astiberri. Forma parte de una línea de cómic en la que la institución y la editorial llevan trabajando ya unos años, con varios títulos a sus espaldas y que está asociada a determinadas exposiciones desarrolladas por el museo. Este “Gabriele Münter, las tierras azules” se publica coincidiendo con la inauguración de la exposición “Gabriele Münter. La gran pintora expresionista” en el Thyssen, que supone la primera retrospectiva de la artista en nuestro país”.

¿Qué encontrarán los lectores en sus páginas? “Te diría que no van a encontrar un cómic biográfico al uso. En la contraportada del libro aparece la frase “Un paseo al ritmo de las cuatro estaciones por el arte de Münter” y creo que es una buena definición. El cómic está formado por cinco fragmentos en la vida de Münter imaginados a partir de cinco cuadros de la artista y que tienen como hilo conductor el paso de las estaciones”. 

“En muchas pinturas de Münter aparecen reflejados momentos de su propia vida: autorretratos, escenas cotidianas, personas que conoció, lugares que visitó… -nos cuenta Mayte Alvarado-. Lo que crea una relación muy especial entre su vida y su obra, al menos es así como yo lo percibo. Me pareció que era una bonita idea trabajar sobre esa relación, que ese debía ser el punto de partido del cómic”.

“Lo que he hecho, básicamente, es colocarme frente a un cuadro (no de manera literal…) e imaginar una escena a la que podría pertenecer ese instante detenido en la obra. Hacerme preguntas como ¿de qué estaban hablando?, ¿a dónde iba?, ¿de dónde venía? y darles una respuesta. Ha sido un proceso bastante divertido y aunque estoy hablando de imaginar todo el rato, en todas estas escenas hay apuntes biográficos de la vida de la artista debidamente documentados. Creo que si estás trabajando sobre una persona real tienes una cierta responsabilidad con esa vida a la hora de representarla”. 

¿Cómo ha sido el trabajo de documentación e investigación para este proyecto? “Para la documentación he contado con la ayuda de la Fundación, especialmente de Marta Ruiz del Árbol, Conservadora de Pintura Moderna en el Museo Thyssen. Tuvimos varias reuniones online en las que Marta nos habló de la vida de Münter y de la exposición que estaban preparando -continúa Mayte Alvarado-. Toda esa información se convirtió en los cimientos sobre los que construir el cómic. En la documentación posterior hay una doble vertiente. Por un lado, la documentación gráfica: cuadros, muchos cuadros de la artista, fotografías de ella, de sus conocidos y de su casa en Murnau, que es donde se desarrolla la mayor parte de la historia y luego, más cuadros. Y por otro, documentarme sobre su vida, sobre el contexto histórico en determinados momentos, sobre ‘El Jinete Azul’ y sobre la vida de otros artistas que aparecen en el cómic. Aunque sepas que muchas de esas cosas luego no van a aparecer en el libro, creo que cuanta más información manejes, mejor. Además, yo al menos nunca sé dónde voy a encontrar lo que me interesa, los pequeños detalles que me van a servir para darle forma a la historia, así que he intentado documentarme todo lo posible y de una manera amplia”. 

¿Qué ha supuesto para ti el descubrimiento de la obra de Münter? “Gabriele Münter es una artista bastante desconocida en nuestro país y, tengo que reconocer, también lo era para mí hasta que recibí la propuesta para hacer este cómic. Ha sido una experiencia muy bonita poder descubrir su obra y su vida trabajando en este cómic. Lo he disfrutado mucho. Creo que dibujar y escribir sobre “algo” es pensar sobre “algo”, así que he debido pensar mucho en Gabriele Münter durante los meses que he estado trabajando en este libro. Ha quedado vinculada de alguna manera a mí trabajo a través de este libro”. 

¿Qué dirías que tienen de característico tus ilustraciones para este libro? ¿Qué hay de nuevo o diferente con respecto a otros trabajos? “No sé muy bien qué contestar a esta pregunta… Es un proyecto un poco particular porque yo quería que la obra de Münter estuviese muy presente en todo el cómic y toda la parte gráfica está basada en su obra. Aún así, no he sentido en ningún momento que tuviese que forzar mi estilo, ha sido un proceso muy natural y fluido en el que he estado muy cómoda. No siento haber hecho algo diferente, me reconozco en las todas las viñetas y me gustaría pensar que también se puede reconocer a Gabriele Münter en ellas. Podríamos decir que si el cómic funciona a nivel visual (o no) sería mérito (o no) de Héloïse Guerrier, editora de Astiberri, por pensar en mí para este proyecto”, asegura Mayte Alvarado. 

¿Con qué técnicas trabajaste? “Las páginas están realizadas con acrílico sobre papel. Una vez acabadas, las escaneo y ya integro los bocadillos y los textos con el ordenador. Así que mi forma de trabajar es bastante tradicional”.

Háblanos un poco del proceso de realización de este libro. “Desde el principio tenía claro que quería partir de la obra más que de la vida de Gabriele Münter para hacer el libro, pero no veía claro qué camino tomar. Estuve dándole vueltas a cómo hacerlo y fue a partir del cuadro “El desayuno de los pájaros” que me surgió la idea de tomar las estaciones como hilo conductor y como referencia del paso del tiempo. A partir de ahí, ya todo cuadra”. 

“Elegí los cuadros a partir de los que podía crear una narrativa para la historia y a qué episodios en la vida de Münter los podía enlazar. Con eso ya tenía el esqueleto del cómic. Me gustó mucho la idea desde el principio, la veía muy claramente y sabía hacia donde quería trabajar. No suelo escribir un guión muy detallado antes de empezar a trabajar, con tener una idea general me vale. En este caso, la documentación, el guión y las páginas las he ido haciendo al mismo tiempo”, confiesa Mayte Alvarado. 

¿En qué trabajas ahora? ¿Algún nuevo proyecto? “Durante los últimos dos años y medio he estado trabajando en dos cómics de encargo, ambos dedicados a figuras de pintores. Uno en el que solo me he encargado de la parte gráfica y que aún no se ha publicado y este “Gabriele Münter, las tierras azules” en el que me encargo tanto del guión como del dibujo. Ahora me estoy tomando un breve descanso y pensando cuál será el siguiente paso. Lo que realmente me apetece es embarcarme en un proyecto de cómic de ficción más personal, si bien también entiendo este cómic sobre Gabriele Münter como un trabajo bastante “mío”, por la libertad que me han dado tanto desde el Thyssen como desde Astiberri. He podido hacer el cómic que quería hacer y agradezco mucho la confianza que han depositado en mí y en la idea que tenía para este proyecto. También estoy dándole vueltas a una vieja idea para un cómic infantil, que es algo que me apetece probar hace bastante tiempo pero para lo que nunca encuentro el momento”.

Bada y San, una pareja de treintañeros, tienen dificultades para concebir un bebé. Cansados de no lograrlo, y de escuchar comentarios de todo tipo, deciden someterse a un tratamiento de fecundación in vitro. La sociedad surcoreana, que conserva aún fuertes rasgos tradicionales, impondrá sin reservas sus expectativas sobre los jóvenes aspirantes a padres… incluso cuando las cosas no vayan bien. A través de esta historia, Keum Suk Gendry-Kim nos cuenta el drama que viven muchas parejas: los retos físicos y psicológicos a los que se enfrentan, las opiniones sesgadas de familiares y amigos dependiendo de si hablan de la futura madre o del futuro padre, la falta de empatía de la comunidad médica… ‘Mañana será otro día’ es una tragedia íntima, inspirada en la experiencia personal de la autora, pero que conectará a las lectoras y los lectores de uno y otro continente, nos cuenta la editorial Reservoir Books. Con ella tuvimos un pequeño encuentro en Málaga y pudimos charlar sobre este libro.

¿Cómo nace este proyecto. ¿Dónde está el origen de este libro? Keum Suk Gendry-Kim: “Yo tengo más o menos 50 años, cuando llegamos a esta edad, ya sea un hombre o una mujer, tenemos cambios en el cuerpo, entonces nosotros sabemos que el cuerpo y la mente siempre están unidos, entonces funcionan juntos de alguna manera. Teniendo esta edad, recordaba lo que he experimentado cuando tenía 30 años, en ese momento intenté varias veces tener un niño o un hijo, pero al final fracasé, y también esos recuerdos que he experimentado con mi propio cuerpo, digamos un cuerpo femenino, reflexionando todo lo que me pasó en ese momento, desde ahí empecé a escribir”.

A priori escribir sobre uno mismo puede parecer más fácil, porque es algo que se conoce. Pero también exponerse y hablar sobre uno mismo puede ser más difícil. Para usted es más fácil o dífícil? “Antes de nada me gustaría comentar que todo lo que está escrito en el libro, no puedo decir que es todo real, porque se trata de mi historia, de mi familia, de las personas de mi alrededor, entonces para protegerlos también he cambiado el ambiente de familia, y luego la imagen de la familia, he cambiado algunos elementos, entonces puedo decir que esto es una autobiografía, pero ficcionada, con ficción, y obviamente estoy de acuerdo de que contar mi propia historia no es fácil, es bastante difícil, aunque es un poco diferente de contar una historia real. Por ejemplo, lo que ha pasado con ‘Hierba’ o con ‘La espera’, no hace falta hacer muchas investigaciones, sin embargo es bastante difícil contar la propia historia, la de una misma, porque tienes que volver a ver, tienes que volver a encontrarte a ti misma de ese momento, o de tus dolores de ese momento, etc”. 

“Pero lo que quería transmitir en este libro no eran los dolores que había sufrido en ese momento, sino también el proceso de autoconsolidación, la consolidación que he tenido hasta ahora, entonces a través de dibujos que he dibujado, a través de texto que he puesto, ha sido un proceso de autoconsolidación más bien”, afirma Keum Suk Gendry-Kim.

Háblanos un poco de tus ilustraciones para este cómic. ¿Qué dirías que tienen de característico o qué hay de diferente respecto a otros trabajos? “Esta ilustración, estos dibujos, es un poco diferente de otras obras que he tenido, pues no puedo decir que esto es una ilustración de color blanco y negro, especialmente en este libro yo he usado papel tradicional coreano, que se llama hanji, y luego también he usado tinte coreano y luego pincel coreano. Además aquí yo di mucha importancia a ese encuentro de papel coreano con agua, porque cuando usamos tinta tenemos que mezclar con agua, cuando la protagonista está haciendo la fecundación in vitro, entonces percibe muchos cambios del cuerpo y luego muchos diferentes sentimientos, quería expresar esto con muchos tonos grises, porque quería expresarlo de una forma tranquila, no es que cuando te duele gritas para mostrar ese dolor, sino que el agua, el papel absorbe el agua, igual que esto, fluyen esos sentimientos tristes en tu mente, en tu cuerpo. Entonces quería expresar esto con esos tonos grises. Por último, en último capítulo, he acabado el libro con diversos colores, puesto que quería transmitir ese mensaje de esperanza, y porque cada uno, los dos protagonistas, han encontrado su felicidad de otra forma, y por eso he acabado con varios colores”.

¿Con qué técnicas trabajaste? “Yo pienso que la técnica siempre está muy conectada con la mente de la autora -continúa Keum Suk Gendry-Kim-, entonces sobre todo este libro se trata del cuerpo humano, específicamente el cuerpo femenino, entonces nosotros ya sabemos cuando estamos embarazados, dentro de una bolsa está el agua para proteger el feto, y luego por otra parte nuestro cuerpo está compuesto por agua, entonces yo daba mucha importancia al agua en este trabajo. Cuando empezaba a dibujar, a veces primero echaba agua en el papel tradicional coreano, y después echaba gotas de tinta, o a veces al contrario, primero tinta sin agua, y luego echaba agua después, para expresar diferentes situaciones, diferentes sentimientos que le han pasado al protagonista y a la protagonista”.

“Además me gustaría mencionar una cosa más, yo cuando trabajo, cuando hago este tipo de obra, si algo pasa, pues si se cae una gotita de tinta y tal, que no es intencionado, aunque no era mi intención, lo dejo así, yo respeto eso también, además sobre todo al usar mucha agua y tinta, pues muchas veces sale diferente, no puedo controlar, sale diferente de lo que yo imaginaba, pero lo respeto siempre, porque pienso que es la misma cosa que los hombres, los seres humanos intentan, se esfuerzan mucho para obtener algo, pero al final no siempre sale tal y como quieren, entonces aceptarlo y luego respetar lo que ha pasado también, creo que es una forma muy importante, por eso yo siempre intento trabajar de esta manera”.

En este cómic hay muchas cosas que podrían ser un reportaje sobre, por ejemplo, la fecundación in vitro. En otros libros, como ‘Hierba’, hay un personaje que realiza entrevistas y la propia historia es un reportaje sobre algo que sucedió. ¿Se siente en algunos casos como si estuviera en la piel de un periodista? “Primero la respuesta es no, porque tampoco he sido formada -asegura Keum Suk Gendry-Kim-. Estoy haciendo varias entrevistas, no solamente en Corea, sino también fuera de Corea, pero cada vez que hago una entrevista, pues pienso que no tengo talento como periodista, sin embargo yo creo que todo esto se ha sentido de esta forma, usted lo ha sentido de esta forma, porque yo tengo esa curiosidad positiva hacia seres humanos, siempre pienso quién es ser humano, qué es el ser humano, y luego pienso mucho el amor sobre el ser humano, pienso que no hay razón de vivir, no hay por qué vivir si no existe, si no tenemos una persona que amamos. Al mismo tiempo los seres humanos son fuertes, y también son débiles. Todo esto son preguntas que me lanzo a mí misma. A mí me gusta, personalmente, encontrarme con cualquier tipo de persona, hablar con ellos y escucharlos, creo que, como tengo esta curiosidad y tengo esta afición, debido a esto, ha sentido que tengo esos rasgos de periodista”.