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Jaime Pantoja, ‘Little Niño’, los Beatles y los Rolling
¿Cómo surge esta colección? Jaime Pantoja: «Hace tres años y pico, a raíz de mi paternidad, me di cuenta de que me apetecía mucho hacer cuentos bonitos para niños. Dándole vueltas pensé en Dani Llabrés, un escritor con el que vengo coincidiendo desde siempre, desde que hacíamos fanzines musicales y locuras varias, y con el que acababa de colaborar en un libro fantástico llamado Esquelas Sonoras (Lenoir). Le pregunté si tenía algo infantil por ahí escrito y me comentó que no, pero que en un plis plas me preparaba algo. Al poco, me llamó y me contó la idea de Little Niño, una especie de homenaje al Little Nemo de Winsor McCay pero mezclado con la música que nos gusta, es decir, la de los años 60 mayormente».
¿Quién es Little Niño? «Little Niño es un chaval de unos 4 o 5 años que nunca quiere irse a la cama. Qué raro, ¿verdad? Además, cuando se duerme siempre le suceden cosas extrañas, pero extrañas de verdad. Tan raras como despertar en el universo de alguna banda legendaria en el que vivirá, junto a su oso Renato, emocionantes aventuras y donde conocerá a los extrañísimos personajes de sus canciones: un huevo con patas, una morsa, un gigantesco hombre mono…»
¿Cómo es el proceso de creación de estos libros? «Voy a dejar que esta la conteste Dani, que lo tengo aquí al lado (en realidad está en Medellín, muy lejos en el espacio pero muy cerca gracias a la tecnología)»: “Lo primero es elegir el artista protagonista. Algo tremendamente fácil y endiabladamente complicado a la vez. Sencillo porque Jaime y yo tenemos gustos musicales similares. Complejo porque la lista de los que nos gustaría hacer es kilométrica. Luego toca hacer el guión. En el caso de los Beatles configuré un listado de personajes de sus canciones y a partir de ahí escribí la historia. Con los Stones el punto de partida fueron sus canciones (los personajes stonianos son mucho menos infantiles). Una vez tenemos el relato, Jaime coge el guión (con su parte descriptiva y su parte de texto) y comienza a bocetar. Bocetos que, curiosamente, son 100% la base del arte final.”
«Efectivamente, Dani intenta darme el guión de ilustración bastante cerrado, pero no le hago mucho caso (espero que no lea esto… jajajaja). Luego, sobre la marcha, vamos cambiando cosas, variando algún enfoque, le doy la vuelta a algún plano, añado canciones, ideas ilustradas… Hay en el proceso bastante debate y es muy enriquecedor -continúa Jaime Pantoja-. También están nuestras revisoras oficiales, Julia y Laura, que hacen que todo encaje como debe».
Habéis abordado de momento a dos grupos míticos, ¿tú eres más de los Beatles o de los Rolling? «Yo más de los Beatles y Dani más de los Stones. Pero ambos fans de las dos bandas. En el caso de los Stones se nos ve bastante el plumero, y se nota nuestra debilidad por lo que hicieron en los años 60, que fue mucho, aunque en el libro también aparecen canciones de los 70, 80 y 90. Decidimos empezar con los Beatles por dar el pistoletazo de salida con algo que ya estaba testado con éxito en el mercado infantil. Y una vez paridos los Beatles, había que hacer a los Stones. Sí o sí no quedaba otra».
Y, ¿con qué canción te quedas de cada grupo? «Uf, qué complicado. A mí de Beatles me gusta casi todo, pero me encanta una canción que si bien no aparece en el libro, en el fondo es el leitmotiv de toda la saga: “I’m Only Sleeping”. Es una canción llena de magia y de secretos, muy Lennon, y con una producción sobresaliente por parte de George Martin. Con esa guitarra sonando al revés, ese sonido psicodélico, aunque en el fondo es una canción pop pluscuamperfecta. Además, es un tema que suelen interpretar los músicos que me acompañan en los cuentacuentos».
«De los Stones me quedo con “Paint It Black” que es precisamente el hilo conductor del cuento -nos cuenta Jaime Pantoja-. Me parece un auténtico temazo e increíblemente innovadora para la época. Un tema de rock con un ritmo duro y frenético que contrasta con unas melodías casi medievales realmente deliciosas, y genialmente redondeadas por el sitar de Brian Jones. La versión que hicieron en español Los Salvajes (“Todo Negro”) también merece su obligada escucha».
¿Cómo era tu visión de estos grupos antes de estos libros y cómo es después? ¿Cómo ha sido el trabajo de investigación para trabajar en estos proyectos? «Creo que la misma. Es verdad que, en cuanto a ilustración, los Beatles tienen mucha imaginería, desde el Yellow Submarine de Edelmann a la serie de dibujos animados de la ABC, pasando por los geniales dibujos de Klaus Voorman para el disco Revolver. En el caso de los Fab Four no he querido renunciar a todo ese bagaje sino tenerlo en cuenta ya que es parte de ellos. En los Stones todo el estilo me viene dado por el primer libro, aunque sí que es verdad que estilísticamente es más canalla y oscuro. Sobre todo, me gusta escuchar las canciones e imaginar libremente qué me sugieren. Luego también investigo sobre las letras y le intento dar a todo una unidad».
Los libros tienen lecturas diferentes, en función de si eres un niño, o si eres padre, pero también en función de si eres muy fan o si te acercas por primera vez al grupo. Imagino que todo intencionado. «Dani lo llama la técnica Star Wars. Es un producto que tiene varias lecturas según la edad. Creo que, en ese sentido, los libros nos han quedado tal y como queríamos, e incluso nos han sorprendido aumentando el rango de edad. Un niño de 3 años los ve como una historia de ficción y de aventuras, como un mero divertimento con muchos detalles y bonitas canciones -asegura Jaime Pantoja-. Creíamos que el cuento tenía menos recorrido, pero resulta que funciona también en niños de 8 o 9 años que lo leen intentando descifrar todos esos detalles en torno al grupo de música en cuestión (Stones o Beatles). Conocemos niños de 7 a 10 que a partir del libro se han hecho fans de los Beatles e, incluso, han empezado a tocar la guitarra y a día de hoy tienen un grupo de música… increíble, pero cierto. Los adultos se acercan al libro de maneras diferentes, pero sobre todo como fans de los grupos, como coleccionistas y completistas o como amantes de la cultura pop. Lo interesante del proyecto es que el niño, la madre y el abuelo puedan disfrutar juntos (o por separado) leyéndolo, poniendo las canciones, cantando o aportando sus anécdotas y discos. El feedback que estamos recibiendo al respecto es realmente precioso».
¿Qué importancia tienen los detalles en estos libros? Un porcentaje muy alto, entiendo. «Tanto Dani como yo somos amantes del detalle a un nivel casi enfermizo. Nos gusta que el libro tenga secretos, cosas que descifrar, detalles imposibles y, sobre todo, que cueste acabárselo, que tenga recorrido y que cada vez que lo abras descubras cosas nuevas. En ambos libros encontraréis canciones escondidas, referencias a los quintos beatles (o sextos stones), pistas sobre los siguientes volúmenes o detalles biográficos para los más avispados. Por ejemplo, en este último aparecen el club Marquee y el Crawdaddy, también aparece Mick con ciertos discos bajo el brazo… La verdad es que un universo onírico relacionado con carreras musicales tan extensas dan pie para explayarse mucho en este sentido».
Sobre las ilustraciones, ¿qué dirías que tienen de característico? «Creo que reflejan mi amor por la estética de mediados del siglo XX, pero que tienen ese aire moderno que le da lo digital y la mezcla de técnicas tan en boga en la actualidad. Me cuesta hablar de mi propio estilo».
¿Con qué técnicas trabajaste? «Trabajo todo en digital, si bien utilizo algunas texturas de pintura analógica y bastantes texturas fotográficas. En base a un boceto muy rápido que suelo hacer en el ordenador, y que determina prácticamente la composición final de cada ilustración, voy haciendo lo que me pide el cuerpo a la hora de desarrollar el color, las texturas, etc.»
¿Qué dirías que has aprendido con estos proyectos? «He aprendido a hacer cuentos infantiles, creo, y sigo aprendiendo. El libro de los Beatles ha sido mi puesta de largo y parece que he superado la prueba, pues a los niños les ha gustado y a los mayores también. En el de los Stones he incorporado otros recursos narrativos que creo funcionan bastante bien. En Bowie espero seguir investigando e intentaré poco a poco incorporar nuevas maneras de narrar a través de las ilustraciones sin perder la esencia de la saga. También he aprendido que, si no te implicas al 100% en un proyecto como este, la cosa posiblemente no salga como debe».
«Otro aprendizaje es haber descubierto que me gusta dedicarme a contar los cuentos interpretándolos en librerías o encima de un escenario. Hemos musicalizado ambos cuentos y los hemos contado con músicos en directo. El resultado del espectáculo está siendo muy positivo. Ya he pasado por dos festivales, un teatro y muchas librerías, siendo la intención que Little Niño siga creciendo más allá del papel».
¿Qué grupo o cantante no podría faltar en esta colección en el futuro? «Como ya he comentado el tercer libro será David Bowie, por lo que los siguientes deberían ser los Kinks o los Who (que no dejan de ser dentro de las bandas británicas clásicas las terceras en discordia) y que, sin duda, tienen los universos más ricos en cuanto a historias, escenarios y, sobre todo, personajes. Pero esto es más un deseo que una certeza. No sabemos qué pasará ni cuál será el cuarto y quinto libro. Deseamos que la cosa crezca lo suficiente para que el público se enamore del personaje y así podamos abordar a estas bandas más desconocidas en España. En cualquier caso, nos surgen mil y un nombres como Supremes, Aretha, James Brown, Elvis… la lista es interminable».
¿En qué andas metido ahora? ¿Algún proyecto nuevo? «En la actualidad estoy en fase de presentaciones y promo de otro libro ilustrado llamado ¡Han atropellado a Irureta! (Modernito Books), este para adultos y junto al escritor Miguel Nicolás. No es un cómic ni una novela ilustrada, es un diálogo continuo entre ilustración y texto. Un libro muy muy divertido, y muy muy raro también, que recuerda a la tradición del surrealismo más castizo de Jardiel Poncela o Mihura, del humor loco de los Monty Python o de la astracanada y que incluye, a nivel gráfico, desde infografías hasta comics en muy diferentes de estilos. También estoy con el tercer Little Niño y con otro proyecto para la editorial Lata de Sal».
Cómic
COMICMED, el encuentro que conecta el cómic con el Mediterráneo
La Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, con la colaboración del Polo Nacional de Contenidos Digitales del Ayuntamiento de Málaga, han celebrado la primera edición de COMICMED, un encuentro que ha abordado el mundo de la novela gráfica y el cómic producido o vinculado con el Mediterráneo.
La programación, plagada de importantes creadores del género, ha combinado conversaciones con autores, talleres prácticos para público infantil y juvenil, y una innovadora propuesta que fusiona cómic con música electrónica con aires marroquíes al ritmo de la DJ Hajar Lagranja.
El cartel de esta primera edición ha sido realizado por Nadia Hafid (Tarrassa, 1990), ilustradora de ascendencia marroquí cuyas obras han sido varias veces portada en ‘El País’, además de aparecer en artículos en medios internacionales como ‘The New York Times’, ‘The New Yorker’ y ‘The Washington Post’, entre otros. Su nuevo trabajo, ‘Mal olor’, recientemente ganador del premio Finestres, ha visto la luz en castellano este mes y los asistentes a COMICMED han podido tener acceso a el en primicia. Nadia protagonizó una de las mesas de este encuentro, en la que conversó con Javier Alonso, director del programa ‘Territorio 9’ en Radio 3.
Siguiendo con autores de gran nivel, el festival ha traído por primera vez a España a dos creadores que, sin ser de origen mediterráneo, acuden con una obra cuya temática está muy presente en este mar y que, además, entronca a la perfección con los valores que promueve Tres Culturas de solidaridad, diversidad, inclusión y esperanza. Se trata de Victoria Jamieson y Omar Mohamed, que conversaron sobre la historia que les unió: la multipremiada ‘Cuando brillan las estrellas’, inspirada en las vivencias del propio Omar Mohamed en los campamentos de refugiados de Dadaab, en Kenia.
También tuvieron cabida los cómics que dan el salto a la gran pantalla a partir del exitoso caso de ‘Robot Dreams’, el primer cómic de la escritora de libros infantiles Sara Varon que el director Pablo Berger plasmó en una inolvidable cinta que llegó a optar al Oscar como Mejor película de animación el pasado año. Ambos desgranaron los detalles de esta colaboración que ocupa un lugar de privilegio entre las producciones cinematográficas nacidas de un cómic.
Y si la historia de ‘Robot Dreams’ viajó desde Estados Unidos hasta España para llegar al celuloide, el mismo trayecto, pero a la inversa, es el que realizan las obras de Natacha Bustos (nacida en Ibiza en 1981, aunque malagueña de adopción) y Carmen Carnero (Málaga, 1983), dos españolas que triunfan en Marvel y DC. La primera de ellas con cómics como Moon Girl and Devil Dinosaur, fue elegida por Marvel como una de las ocho artistas más prometedoras de la próxima generación en 2020; mientras que la segunda trabaja para esta misma compañía en exclusiva desde 2018, donde fue incluida en 2019 en el programa de artistas de élite de Marvel ‘Stormbreakers’.
Igualmente por su importante proyección, destaca el reconocido dibujante e historietista Diego Galindo (Sevilla, 1978), que conversó con la profesora e ilustradora Cristina Peláez sobre su experiencia adaptando Stranger Things al cómic, explorando los retos y oportunidades de trasladar esta exitosa serie. Comentaron sus inicios, y Diego confesó que «siempre fue primero la imagen, el dibujo. Yo al principio miraba los cómics, más que los leía».
Por último, cabe mencionar a Wilfrid Lupano, (Nantes, 1971), con quien se analizaron libros como ‘La bibliomula de Córdoba’, del que es guionista, y en el que muestra el poder de la cultura y el conocimiento como barrera ante los totalitarismos. Wilfrid habló sobre el proceso de investigación y documentación para el libro. «Era difícil poner en imágenes un universo que no había sido representado. Era como poner una primera piedra», indicó. Lupano señaló el trabajo enorme de investigación que había realizado también el ilustrador, y apuntó a la idea de sacar a la luz temas como la arquitectura y también toda la producción de la Gran Biblioteca de Córdoba. «En occidente la construcción de Catedrales era un gesto económico y político fuerte. La construcción de Bibliotecas también lo era». Definió a ‘La bibliomula de Córdoba’ como una «mula movie», una road movie a ritmo de mula, en la que se expresa su amor a la cultura y los libros. «El libro es un objeto con una fragilidad increíble… y a pesar de todo, todo el saber ha llegado hasta nosotros porque ha habido personas que han hecho la conservación, las copias… Siempre algunas escapan hasta la civilización siguiente».
Además, fue uno de los protagonistas de los talleres infantiles a partir de su obra El lobo en calzoncillos en el apartado COMICMED KIDS, donde también se ofreció otro taller que aúna creación con nuevas tecnologías para la creación de videojuegos y uno para público adolescente en el que Natacha Bustos mostró cómo dibujar superhéroes.
En resumen, una programación diversa y heterogénea en la que se habló mucho de cómic, pero también de nuevas técnicas de creación, universos digitales y fusión con otras artes.
Cómic
Málaga se convierte en el centro del cómic mediterráneo con la primera edición de COMICMED
La Fundación Tres Culturas y el Polo de Contenidos Digitales de Málaga organizan la primera edición de COMICMED del 6 al 8 de marzo en las instalaciones de Tabacalera con la presencia de creadores como Benjamin Lacombe, Victoria Jamieson, Sara Varon, Pablo Berger, Nadia Hafid, Natacha Bustos, Wilfrid Lupano y Carmen Carnero.
La Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, con la colaboración del Polo Nacional de Contenidos Digitales, del Ayuntamiento de Málaga, presenta la primera edición de COMICMED, un encuentro sin precedentes que abordará el mundo de la novela gráfica y el cómic producido o vinculado con el Mediterráneo.
La programación, plagada de importantes creadores del género, combina conversaciones con autores, tres talleres prácticos (para distintas franjas de edad: adultos, adolescentes y niños) y una innovadora propuesta que fusiona cómic con música electrónica con aires marroquíes al ritmo de la DJ Hajar Lagranja.
El cartel de esta primera edición ha sido realizado por Nadia Hafid (Tarrassa, 1990), ilustradora de ascendencia marroquí cuyas obras han sido varias veces portada en ‘El País’, además de aparecer en artículos en medios internacionales como ‘The New York Times’, ‘The Economist’, ‘The New Yorker’ y ‘The Washington Post’, entre otros. Su nuevo trabajo, ‘Mal olor’, recientemente ganador del premio Finestres, verá la luz en castellano en este mes de marzo y los asistentes a COMICMED podrán tener acceso a ella en primicia.
Otro de los grandes nombres propios del festival es Benjamin Lacombe (París, 1982), considerado uno de los ilustradores más importantes del mundo, con un estilo muy marcado y personal que le lleva a concebir cada dibujo como una auténtica obra de arte: figuras pálidas, de grandes ojos y una mezcla de fragilidad y potencia visual.
Siguiendo con autores de gran nivel, el festival traerá por primera vez a España a dos creadores que, sin ser de origen mediterráneo, acuden con una obra cuya temática está muy presente en este mar y que, además, entronca a la perfección con los valores que promueve Tres Culturas de solidaridad, diversidad, inclusión y esperanza. Se trata de Victoria Jamieson y Omar Mohamed, que conversarán sobre la historia que les unió: la multipremiada ‘Cuando brillan las estrellas’, inspirada en las vivencias del propio Omar Mohamed en los campamentos de refugiados de Dadaab, en Kenia.
También habrá lugar para los cómics que dan el salto a la gran pantalla a partir del exitoso caso de Robot Dreams, el primer cómic de la escritora de libros infantiles Sara Varon que el director Pablo Berger plasmó en una inolvidable cinta que llegó a optar al Oscar como Mejor película de animación el pasado año. Ambos desgranarán los detalles de esta colaboración que ocupa un lugar de privilegio entre las producciones cinematográficas nacidas de un cómic.
Y si la historia de Robot Dreams viajó desde Estados Unidos hasta España para llegar al celuloide, el mismo trayecto, pero a la inversa, es el que realizan las obras de Natacha Bustos (nacida en Ibiza en 1981, aunque malagueña de adopción) y Carmen Carnero (Málaga, 1983), dos españolas que triunfan en Marvel y DC. La primera de ellas con cómics como Moon Girl and Devil Dinosaur, fue elegida por Marvel como una de las ocho artistas más prometedoras de la próxima generación en 2020; mientras que la segunda trabaja para esta misma compañía en exclusiva desde 2018, donde fue incluida en 2019 en el programa de artistas de élite de Marvel ‘Stormbreakers’.
Por último, cabe destacar a Wilfrid Lupano, (Nantes, 1971), con quien analizaremos libros como ‘La bibliomula de Córdoba’, del que es guionista, y en el que muestra el poder de la cultura y el conocimiento como barrera ante los totalitarismos. Además, será uno de los protagonistas de los talleres infantiles a partir de su obra ‘El lobo en calzoncillos’ en el apartado COMICMED KIDS, donde también se ofrecerá otro taller que aúna creación con nuevas tecnologías para la creación de videojuegos (en el Campus 42) y uno para público adolescente en el que Natacha Bustos mostrará cómo dibujar superhéroes.
En resumen, una programación diversa y heterogénea en la que se hablará mucho de cómic, pero también de nuevas técnicas de creación, universos digitales y fusión con otras artes. Una iniciativa en la que, además, se han implicado otras entidades e instituciones como el Centro Andaluz de las Letras, la Fundación Telefónica, el Instituto Francés y las editoriales Maeva, Edelvives, Norma Editorial, Apa Apa Cómics y Penguin Random House.
El acceso a todas las propuestas de este festival será gratuito previa inscripción en la página web de la Fundación Tres Culturas (www.tresculturas.org). Asimismo, los interesados podrán adquirir ejemplares en el punto de venta que habilitará la tienda Cómic Stores en el mismo festival.
Álbum Ilustrado
El colectivo de ilustradores e ilustradoras de Asturias se une en su Asociación Profesional
La Asociación de Profesionales de la Ilustración de Asturias se presentó en sociedad a finales del mes de enero, y lo hizo con una jornada con charlas profesionales y con la inauguración en el Museo Barjola de Gijón de la exposición ‘Somos APIAST: La ilustración contemporánea en 50 obras’, que permanecerá expuesta hasta el próximo 28 de febrero. Aprovechamos la ocasión para charlar un poquito más con Eva Rami e Isabel Muñoz, de la directiva de APIAST, sobre este proyecto.
¿Cuál es el objetivo de la Asociación? “Entre los objetivos de APIAST podemos destacar un par a modo de ejemplo: el de crear una comunidad de apoyo y asesoramiento, y el de defender los derechos de los ilustradores e ilustradoras, promoviendo su reconocimiento y trabajando colectivamente por un futuro más justo para la profesión”.
¿Con cuántos asociados/as ha nacido? “Comenzamos a madurar la idea de crear la asociación un grupo de unas 11 personas reuniéndonos de forma mensual durante dos años para preparar toda la organización interna necesaria para funcionar e iniciamos nuestra actividad en septiembre con 30 personas socias. A día de hoy rozamos ya las 70”.
Hacednos una pequeña valoración del panorama de la ilustración en vuestra comunidad. “Tenemos una cantera de ilustradores e ilustradoras muy potente en esta tierra. Cuanto más aumenta la red que estamos creando, más cuenta nos damos de que nos encontramos en plena ebullición y que la cosa, lejos de decaer, crece de forma exponencial. Tenemos personas socias que han trabajado para Netflix, Disney, Marvel, Vogue, Naciones Unidas, Unicef, además de para un sinfín de editoriales, asturianas, nacionales de renombre y, sobre todo extranjeras… Y tanto los ilustradores e ilustradoras más reconocidos como los que están empezando tienen un nivel impresionante. Hoy en día el teletrabajo marca la pauta, pero no es ni mucho menos la única situación que hay”.
Y sobre la exposición, ¿qué nos vamos a encontrar en ella? “La exposición se compone de 50 trabajos de ilustración, obras de las 50 primeras personas socias, sirviendo como muestra de la ilustración contemporánea asturiana. A través de ella, queremos enseñar la gran variedad de técnicas, estilos, colores, temáticas y clientes posibles. Cada artista escogió el trabajo que quería mostrar, pero se decidió que todas las obras compartieran el mismo formato para dar unidad a la exposición”.
¿Con qué técnicas que se reflejan en la misma y quiénes son las personas que exponen? “Las técnicas que más se repiten son la acuarela y el dibujo o pintura digital. Aunque también podemos ver técnicas de pastel o collage”.
Los Autores y autoras de la exposición son: Isabel Muñoz, Eva Rami, Enrique Fernández (autor de la imagen de portada de esta entrada en el blog), Ana Reguera, David A. Palicio, Cris Mencía, Marco Recuero, Nuria Álvarez, Montse Vega, Cinthya Álvarez , Angélica Rius, Nora García, Verónica Grech, Brezo Rubín, María Guija, Rubén Megido Cuinchi, Vendela Vrensk, Inés Martínez, Eva López, Guillermo Redondo, Luisa García, Rosa Martín, Quino Marín, Nanu González, Raquel Lagartos, Pablo Ballesteros, Óscar Vázquez, Julia Castaño, Bruno M. Tabares, Anxelu González, Angélica Chamorro, Goyo Rodríguez, Celia Pandiella, Clara Pergon, Diana Sobrado, Beatriz Llavona, Javier Rodríguez, Kiyary Do, Marina Saavedra, Alba Blanco Lobo, Ivor Arce Ormazabal, Sara Pérez, Paula Marco, Andrea Franceschi, Andrea Sotorrío, Vanessa Riesgo, Manuela Estevan , Ana Qu y Carolina Mattos.
Tenéis más información en la web de APIAST.
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