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Manuel Marsol y ‘El tiempo del gigante’: «Puede que unos pasen por el libro de puntillas con la sensación de no haber visto nada. Pero es un libro que guarda recompensas al que lo ve con calma»

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Hoy no ha pasado nada. Ni hoy. Tampoco hoy. ¿Lo veis? Aquí nunca pasa nada. Tal vez un mosquito, pero nada. Los días son como los pinos. Parecen todos iguales. ¿Será siempre así? ‘El tiempo del gigante’ es un libro sobre el paso del tiempo. Silencioso, en apariencia; inane, en apariencia; tramposo, vibrante y majestuoso, el mundo nos habla al oído y la vida palpita a nuestro alrededor con su infinita variedad…

De este modo nos presenta la Editorial Fulgencio Pimentel este gran libro, ‘El tiempo del gigante‘, que tiene dentro de sus páginas el trabajo de Manuel Marsol y de Carmen Chica. A Manuel lo conocemos desde hace tiempo y seguimos su trabajo (de hecho muy pronto volveremos a hablar con él sobre otro interesante libro, muy kafkiano), y contactamos con él para que nos contara un poco más de este proyecto. Ya sabíamos algo, porque le escuchamos hablar del mismo en IlustraTour en Madrid, cuando presentó la primera edición de este álbum, en portugués, un trabajo de la editorial portuguesa Orfeu Negro. Ahora en español, lo encontramos en las librerías de la mano de la Editorial Fulgencio Pimentel. 

ElTiempodelGigante_manuelmarsolCarmenchica_FulgencioPimentel

¿Cómo surgió este proyecto? «Surge a partir de las ilustraciones que fueron premiadas en el V Catálogo Iberoamericano en 2014. Al principio no había una historia, solo un tema del que me apetecía hablar: el tiempo. Luego Carmen Chica y yo nos juntamos para escribirlo a cuatro manos. El detonante que nos dio la pista para hacer el álbum fue recordar los veranos de cuando éramos pequeños donde no parabas de aquí para allá durante 3 meses. Sin embargo, cuando volvías al cole en septiembre y te preguntaban por lo que habías hecho durante el verano, solías responder “¡nada!”.

¿Qué nos vamos a encontrar en este libro? «Eso depende de la prisa que uno tenga al leerlo, de la propia mirada. Puede que unos pasen por el libro de puntillas con la sensación de no haber visto nada. Pero es un libro que guarda recompensas al que lo ve con calma. El libro en parte habla de las cosas imperceptibles de la vida que suceden a nuestro alrededor sin que nos demos cuenta de ellas. De las cosas que miramos pero no vemos, de la importancia de “estar” sin más, del dolce far niente. Por eso podemos decir que no encontrarán nada o que lo encontrarán todo».

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Háblanos un poco del proceso de elaboración de este proyecto.  «Por un lado yo había ido apuntando muchas ideas en mis cuadernos y también tenía las 5 ilustraciones acabadas del Catálogo. Con todo eso me junté con Carmen Chica y empezamos a hablar sobre el concepto del álbum, sobre qué queríamos contar y el tono. Nos iban saliendo frases a uno y a otro, había que encajar las ilustraciones en lo que iba surgiendo, pero también había que ir dibujando otras en función de lo que nos pedía la historia. Fue como ir uniendo los puntos de un dibujo, unos puntos hechos de frases, dibujos, ideas e intuiciones. Lo bueno de esta manera de trabajar es que no había un plan inicial, más allá de una vaga idea para hablar sobre el tiempo, y por ello la historia siempre se mantuvo con frescura y con capacidad de sorpresa para nosotros mismos a lo largo de todo el proceso. Por supuesto hubo momentos de atasco. Ahí dejábamos reposar al gigante una semana y luego volvíamos a él».

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«Luego hubo una parte importante de reestructurar las imágenes, de moverlas de sitio. El libro estaba casi acabado pero no fue hasta que cambiamos de lugar unas ilustraciones cuando todo de repente hizo clic. Para que eso suceda creo que tiene que haber mucho trabajo detrás. Y esto, más que casualidad, creo que tiene más que ver con saber distanciarse y saber renunciar a ideas preconcebidas que a veces nos condicionan y nos atascan los libros casi desde el principio sin que nos demos cuenta. En ese sentido, al haber trabajado los dos en publicidad estamos acostumbrados a saber descartar ideas que no funcionan sin temor a tomárnoslo como un ataque personal. En el mundo de la literatura infantil a veces tengo la sensación de que hay gente (ilustradores, escritores) a la que le cuesta entender que descartar ideas y señalar los fallos es necesario para hacer un buen trabajo. No se trata de defender a muerte nuestro estilo sino de intentar hacer entre todos (editores, autores) el mejor libro posible. El extremo opuesto es la publicidad, donde casi nunca valía nada de lo que proponías. Por eso Carmen y yo no tenemos problema en decirnos “no, esa idea no vale. Siguiente”.

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«Una vez acabado el proyecto se lo mostramos en pdf a la editorial portuguesa Orfeu Negro en la Feria de Bolonia de 2015 y se enamoraron de él, sin tocar una sola coma para el libro final. Tiempo después dejamos un ejemplar del libro en el stand de Fulgencio Pimentel en el Festival Graf de Madrid y tampoco dudaron un segundo en hacerlo. También hay editores que lo han visto y no le han encontrado el punto. Es un libro arriesgado en su estructura y narrativa, profundo en significado, pero al mismo tiempo extremadamente sencillo, que da valor a un mosquito que pasa o a una rama que se mueve. Al que no entre en él le podrá dejar indiferente. Pero el que entre, ay del que entre. Porque es un libro que también habla de la falta de prisa en la vida. Pienso que el álbum es un lugar para mirar despacio, con todo el tiempo del mundo, y hay gente que todavía lee los álbumes como si fueran el muro de Facebook. Cuando precisamente es el lugar ideal para bajar las revoluciones. Si algo me gustaba de niño (y de mayor) al mirar un libro ilustrado, era perderme en el mundo que tenía delante, siguiendo con el dedo el camino que hacía un dinosaurio, volviendo atrás, recorriendo la nave de un astronauta de arriba abajo o imaginando cómo sería el mar debajo de un barco pirata».

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-Respecto a las ilustraciones, ¿qué dirías que tienen de característico? ¿Qué hay de nuevo o distinto respecto a otros trabajos? ¿Y la técnica utilizada? «Creo que en mi trabajo siempre hay un gusto por los detalles y las atmósferas. Como decía, me gustan las ilustraciones donde te puedes detener y que te permiten regresar a ellas y encontrar cosas nuevas cada vez. Es evidente que la técnica digital supone un contraste con mi primer álbum, ‘Ahab y la ballena blanca’, aunque éste tenía también un importante trabajo digital detrás de retoque y composición. Pero en este caso el dibujo está hecho directamente en digital y solo hay algunas texturas escaneadas para darle calidez. Me apetecía hacer algo menos barroco, más gráfico y más medido en elementos y en composición. Es un libro que habla también de la sencillez, así que la decisión de hacerlo menos recargado, que en un primer momento respondía a una apetencia mía, luego cobró sentido».

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El formato del libro es digno de su contenido… «Sí, me estoy malacostumbrando a hacer álbumes grandes. Es lo que tiene cuando van sobre ballenas o gigantes. Ahora en serio, es un álbum muy contemplativo, donde la atmósfera y sobre todo el espacio y el ritmo son muy importantes. El formato grande es también parte del contenido y ayuda a contar mejor el mensaje. Es un libro donde hay que disfrutar del paisaje, de mirar a las nubes o abrir la boca mirando al cielo cuando llueve en verano. Por eso le va bien el gran formato, porque requiere que uno pueda estar a sus anchas y con espacio de sobra dentro del propio espacio del libro».

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Cuéntanos también algo sobre el uso del color… «Aquí lo más importante era que el color rojo o anaranjado del gigante se llevase bien con el paisaje que le rodea. Y que transmitiese cierta paz o tranquilidad. Al fin y al cabo estamos hablando de atardeceres, de un día de sol en el campo o de la luz reflejada en un lago. Es verdad que hay colores saturados pero mi intención era que no chillasen. Y luego me gustaba que la temperatura de color general del libro fuese cálida, por eso hay muchos colores llevados hacia los amarillos como pasaba con el revelado de las fotos en color antiguas».

El tiempo del gigante, de Carmen Chica y Manuel Marsol from fulgenciopimentel on Vimeo.

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Cómic

COMICMED, el encuentro que conecta el cómic con el Mediterráneo

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La Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, con la colaboración del Polo Nacional de Contenidos Digitales del Ayuntamiento de Málaga, han celebrado la primera edición de COMICMED, un encuentro que ha abordado el mundo de la novela gráfica y el cómic producido o vinculado con el Mediterráneo.

La programación, plagada de importantes creadores del género, ha combinado conversaciones con autores, talleres prácticos para público infantil y juvenil, y una innovadora propuesta que fusiona cómic con música electrónica con aires marroquíes al ritmo de la DJ Hajar Lagranja.

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El cartel de esta primera edición ha sido realizado por Nadia Hafid (Tarrassa, 1990), ilustradora de ascendencia marroquí cuyas obras han sido varias veces portada en ‘El País’, además de aparecer en artículos en medios internacionales como ‘The New York Times’, ‘The New Yorker’ y ‘The Washington Post’, entre otros. Su nuevo trabajo, ‘Mal olor’, recientemente ganador del premio Finestres, ha visto la luz en castellano este mes y los asistentes a COMICMED han podido tener acceso a el en primicia. Nadia protagonizó una de las mesas de este encuentro, en la que conversó con Javier Alonso, director del programa ‘Territorio 9’ en Radio 3.

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Siguiendo con autores de gran nivel, el festival ha traído por primera vez a España a dos creadores que, sin ser de origen mediterráneo, acuden con una obra cuya temática está muy presente en este mar y que, además, entronca a la perfección con los valores que promueve Tres Culturas de solidaridad, diversidad, inclusión y esperanza. Se trata de Victoria Jamieson y Omar Mohamed, que conversaron sobre la historia que les unió: la multipremiada ‘Cuando brillan las estrellas’, inspirada en las vivencias del propio Omar Mohamed en los campamentos de refugiados de Dadaab, en Kenia.

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También tuvieron cabida los cómics que dan el salto a la gran pantalla a partir del exitoso caso de ‘Robot Dreams’, el primer cómic de la escritora de libros infantiles Sara Varon que el director Pablo Berger plasmó en una inolvidable cinta que llegó a optar al Oscar como Mejor película de animación el pasado año. Ambos desgranaron los detalles de esta colaboración que ocupa un lugar de privilegio entre las producciones cinematográficas nacidas de un cómic.

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Y si la historia de ‘Robot Dreams’ viajó desde Estados Unidos hasta España para llegar al celuloide, el mismo trayecto, pero a la inversa, es el que realizan las obras de Natacha Bustos (nacida en Ibiza en 1981, aunque malagueña de adopción) y Carmen Carnero (Málaga, 1983), dos españolas que triunfan en Marvel y DC. La primera de ellas con cómics como Moon Girl and Devil Dinosaur, fue elegida por Marvel como una de las ocho artistas más prometedoras de la próxima generación en 2020; mientras que la segunda trabaja para esta misma compañía en exclusiva desde 2018, donde fue incluida en 2019 en el programa de artistas de élite de Marvel ‘Stormbreakers’.

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Igualmente por su importante proyección, destaca el reconocido dibujante e historietista Diego Galindo (Sevilla, 1978), que conversó con la profesora e ilustradora Cristina Peláez sobre su experiencia adaptando Stranger Things al cómic, explorando los retos y oportunidades de trasladar esta exitosa serie. Comentaron sus inicios, y Diego confesó que «siempre fue primero la imagen, el dibujo. Yo al principio miraba los cómics, más que los leía».

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Por último, cabe mencionar a Wilfrid Lupano, (Nantes, 1971), con quien se analizaron libros como ‘La bibliomula de Córdoba’, del que es guionista, y en el que muestra el poder de la cultura y el conocimiento como barrera ante los totalitarismos. Wilfrid habló sobre el proceso de investigación y documentación para el libro. «Era difícil poner en imágenes un universo que no había sido representado. Era como poner una primera piedra», indicó. Lupano señaló el trabajo enorme de investigación que había realizado también el ilustrador, y apuntó a la idea de sacar a la luz temas como la arquitectura y también toda la producción de la Gran Biblioteca de Córdoba. «En occidente la construcción de Catedrales era un gesto económico y político fuerte. La construcción de Bibliotecas también lo era». Definió a ‘La bibliomula de Córdoba’ como una «mula movie», una road movie a ritmo de mula, en la que se expresa su amor a la cultura y los libros. «El libro es un objeto con una fragilidad increíble… y a pesar de todo, todo el saber ha llegado hasta nosotros porque ha habido personas que han hecho la conservación, las copias… Siempre algunas escapan hasta la civilización siguiente».

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Además, fue uno de los protagonistas de los talleres infantiles a partir de su obra El lobo en calzoncillos en el apartado COMICMED KIDS, donde también se ofreció otro taller que aúna creación con nuevas tecnologías para la creación de videojuegos y uno para público adolescente en el que Natacha Bustos mostró cómo dibujar superhéroes.

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En resumen, una programación diversa y heterogénea en la que se habló mucho de cómic, pero también de nuevas técnicas de creación, universos digitales y fusión con otras artes. 

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Cómic

Málaga se convierte en el centro del cómic mediterráneo con la primera edición de COMICMED

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La Fundación Tres Culturas y el Polo de Contenidos Digitales de Málaga organizan la primera edición de COMICMED del 6 al 8 de marzo en las instalaciones de Tabacalera con la presencia de creadores como Benjamin Lacombe, Victoria Jamieson, Sara Varon, Pablo Berger, Nadia Hafid, Natacha Bustos, Wilfrid Lupano y Carmen Carnero.

La Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, con la colaboración del Polo Nacional de Contenidos Digitales, del Ayuntamiento de Málaga, presenta la primera edición de COMICMED, un encuentro sin precedentes que abordará el mundo de la novela gráfica y el cómic producido o vinculado con el Mediterráneo.

La programación, plagada de importantes creadores del género, combina conversaciones con autores, tres talleres prácticos (para distintas franjas de edad: adultos, adolescentes y niños) y una innovadora propuesta que fusiona cómic con música electrónica con aires marroquíes al ritmo de la DJ Hajar Lagranja

Comicmed

El cartel de esta primera edición ha sido realizado por Nadia Hafid (Tarrassa, 1990), ilustradora de ascendencia marroquí cuyas obras han sido varias veces portada en ‘El País’, además de aparecer en artículos en medios internacionales como ‘The New York Times’, ‘The Economist’, ‘The New Yorker’ y ‘The Washington Post’, entre otros. Su nuevo trabajo, ‘Mal olor’, recientemente ganador del premio Finestres, verá la luz en castellano en este mes de marzo y los asistentes a COMICMED podrán tener acceso a ella en primicia.

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Otro de los grandes nombres propios del festival es Benjamin Lacombe (París, 1982), considerado uno de los ilustradores más importantes del mundo, con un estilo muy marcado y personal que le lleva a concebir cada dibujo como una auténtica obra de arte: figuras pálidas, de grandes ojos y una mezcla de fragilidad y potencia visual.

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Siguiendo con autores de gran nivel, el festival traerá por primera vez a España a dos creadores que, sin ser de origen mediterráneo, acuden con una obra cuya temática está muy presente en este mar y que, además, entronca a la perfección con los valores que promueve Tres Culturas de solidaridad, diversidad, inclusión y esperanza. Se trata de Victoria Jamieson y Omar Mohamed, que conversarán sobre la historia que les unió: la multipremiada ‘Cuando brillan las estrellas’, inspirada en las vivencias del propio Omar Mohamed en los campamentos de refugiados de Dadaab, en Kenia.

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También habrá lugar para los cómics que dan el salto a la gran pantalla a partir del exitoso caso de Robot Dreams, el primer cómic de la escritora de libros infantiles Sara Varon que el director Pablo Berger plasmó en una inolvidable cinta que llegó a optar al Oscar como Mejor película de animación el pasado año. Ambos desgranarán los detalles de esta colaboración que ocupa un lugar de privilegio entre las producciones cinematográficas nacidas de un cómic.

Y si la historia de Robot Dreams viajó desde Estados Unidos hasta España para llegar al celuloide, el mismo trayecto, pero a la inversa, es el que realizan las obras de Natacha Bustos (nacida en Ibiza en 1981, aunque malagueña de adopción) y Carmen Carnero (Málaga, 1983), dos españolas que triunfan en Marvel y DC. La primera de ellas con cómics como Moon Girl and Devil Dinosaur, fue elegida por Marvel como una de las ocho artistas más prometedoras de la próxima generación en 2020; mientras que la segunda trabaja para esta misma compañía en exclusiva desde 2018, donde fue incluida en 2019 en el programa de artistas de élite de Marvel ‘Stormbreakers’.

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Por último, cabe destacar a Wilfrid Lupano, (Nantes, 1971), con quien analizaremos libros como ‘La bibliomula de Córdoba’, del que es guionista, y en el que muestra el poder de la cultura y el conocimiento como barrera ante los totalitarismos. Además, será uno de los protagonistas de los talleres infantiles a partir de su obra ‘El lobo en calzoncillos’ en el apartado COMICMED KIDS, donde también se ofrecerá otro taller que aúna creación con nuevas tecnologías para la creación de videojuegos (en el Campus 42) y uno para público adolescente en el que Natacha Bustos mostrará cómo dibujar superhéroes.

En resumen, una programación diversa y heterogénea en la que se hablará mucho de cómic, pero también de nuevas técnicas de creación, universos digitales y fusión con otras artes. Una iniciativa en la que, además, se han implicado otras entidades e instituciones como el Centro Andaluz de las Letras, la Fundación Telefónica, el Instituto Francés y las editoriales Maeva, Edelvives, Norma Editorial, Apa Apa Cómics y Penguin Random House.

El acceso a todas las propuestas de este festival será gratuito previa inscripción en la página web de la Fundación Tres Culturas (www.tresculturas.org). Asimismo, los interesados podrán adquirir ejemplares en el punto de venta que habilitará la tienda Cómic Stores en el mismo festival.

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Álbum Ilustrado

El colectivo de ilustradores e ilustradoras de Asturias se une en su Asociación Profesional

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Apiast

La Asociación de Profesionales de la Ilustración de Asturias se presentó en sociedad a finales del mes de enero, y lo hizo con una jornada con charlas profesionales y con la inauguración en el Museo Barjola de Gijón de la exposición ‘Somos APIAST: La ilustración contemporánea en 50 obras’, que permanecerá expuesta hasta el próximo 28 de febrero. Aprovechamos la ocasión para charlar un poquito más con Eva Rami e Isabel Muñoz, de la directiva de APIAST, sobre este proyecto.

APIAST
Fotografía de Vendela Vrensk

¿Cuál es el objetivo de la Asociación? “Entre los objetivos de APIAST podemos destacar un par a modo de ejemplo: el de crear una comunidad de apoyo y asesoramiento, y el de defender los derechos de los ilustradores e ilustradoras, promoviendo su reconocimiento y trabajando colectivamente por un futuro más justo para la profesión”.

¿Con cuántos asociados/as ha nacido? “Comenzamos a madurar la idea de crear la asociación un grupo de unas 11 personas reuniéndonos de forma mensual durante dos años para preparar toda la organización interna necesaria para funcionar e iniciamos nuestra actividad en septiembre con 30 personas socias. A día de hoy rozamos ya las 70”.

APIAST
Fotografía de Vendela Vrensk

Hacednos una pequeña valoración del panorama de la ilustración en vuestra comunidad. “Tenemos una cantera de ilustradores e ilustradoras muy potente en esta tierra. Cuanto más aumenta la red que estamos creando, más cuenta nos damos de que nos encontramos en plena ebullición y que la cosa, lejos de decaer, crece de forma exponencial. Tenemos personas socias que han trabajado para Netflix, Disney, Marvel, Vogue, Naciones Unidas, Unicef, además de para un sinfín de editoriales, asturianas, nacionales de renombre y, sobre todo extranjeras… Y tanto los ilustradores e ilustradoras más reconocidos como los que están empezando tienen un nivel impresionante. Hoy en día el teletrabajo marca la pauta, pero no es ni mucho menos la única situación que hay”. 

APIAST
Andrea Sotorrío – Simonetta Designs

Y sobre la exposición, ¿qué nos vamos a encontrar en ella? “La exposición se compone de 50 trabajos de ilustración, obras de las 50 primeras personas socias, sirviendo como muestra de la ilustración contemporánea asturiana. A través de ella, queremos enseñar la gran variedad de técnicas, estilos, colores, temáticas y clientes posibles. Cada artista escogió el trabajo que quería mostrar, pero se decidió que todas las obras compartieran el mismo formato para dar unidad a la exposición”.

APIAST
Fotografía de Montse Vega

¿Con qué técnicas que se reflejan en la misma y quiénes son las personas que exponen? “Las técnicas que más se repiten son la acuarela y el dibujo o pintura digital. Aunque también podemos ver técnicas de pastel o collage”. 

APIAST
Fotografía de Vendela Vrensk

Los Autores y autoras de la exposición son: Isabel Muñoz, Eva Rami, Enrique Fernández (autor de la imagen de portada de esta entrada en el blog), Ana Reguera, David A. Palicio, Cris Mencía, Marco Recuero, Nuria Álvarez, Montse Vega, Cinthya Álvarez , Angélica Rius, Nora García, Verónica Grech, Brezo Rubín, María Guija, Rubén Megido Cuinchi, Vendela Vrensk, Inés Martínez, Eva López, Guillermo Redondo, Luisa García, Rosa Martín, Quino Marín, Nanu González, Raquel Lagartos, Pablo Ballesteros, Óscar Vázquez, Julia Castaño, Bruno M. Tabares, Anxelu González, Angélica Chamorro, Goyo Rodríguez, Celia Pandiella, Clara Pergon, Diana Sobrado, Beatriz Llavona, Javier Rodríguez, Kiyary Do, Marina Saavedra, Alba Blanco Lobo, Ivor Arce Ormazabal, Sara Pérez, Paula Marco, Andrea Franceschi, Andrea Sotorrío, Vanessa Riesgo, Manuela Estevan , Ana Qu y Carolina Mattos.

Tenéis más información en la web de APIAST.

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